Museo Ruso

Borovikovski, Vladímir Lukich (1757 – 1825)

2010-01-24T21:09:00.006+03:00

Borovikovski nació en Ucrania, en Mírgorod, en el seno una familia cosaca. Su padre y sus dos hermanos eran pintores de iconos y Vladímir los ayudó en su taller desde niño. Se conservan algunos iconos suyos de los años 80 del siglo XVIII. En 1787, mientras participaba en la decoración del palacio de Kremenchug, en el que se suponía que se alojaría Catalina II durante su viaje por el sur del país, el joven atrajo la atención del arquitecto y pintor N. A. Lvov, que se llevó al joven talento a San Petersburgo. Durante unos años Borovikovski vivió en su casa, recibió clases de Johann Baptist Lampi, un pintor austriaco famoso que trabajaba en la Corte de Catalina II, y se aconsejaba frecuentemente con el pintor D.G. Levitsky. Uno de los retratos más tempranos hechos en San Petersburgo que se han conservado, “El retrato de O.K. Filíppova”, se destaca por la ternura soñadora de la imagen. Ya en 1795 el pintor recibió el título de académico y en 1802 llegó a ser consejero de la Academia de Bellas Artes.

Borovikovski fue uno de los retratistas más famosos de su época. Tuvo éxito tanto en el retrato de cámara como en el retrato en miniatura que estaba muy de moda por aquel entonces. Sus mejores obras pertenecen a la última década del siglo XVIII. En sus retratos el pintor llegaba a transmitir los movimientos apenas perceptibles del alma humana, los matices más finos de los sentimientos del retratado. El pintor se hizo famoso por crear un tipo específico del retrato feminino caracterizado por un paisaje en el fondo sobre el cual se coloca la imagen hasta la cintura del modelo. Lo podemos ver en el retrato de Arsénieva (1790) y en el de Lopujiná (1797) que creados bajo la influencia del sentimentalismo. El paisaje introducido por el pintor en sus obras contribuía a revelar el mundo interior de los modelos. Los retratos, no muy grandes de tamaño, se distiguían por una finura excepcional en la transmisión del carácter, estaban llenos de poesía y lírica. En las obras de principios del siglo XIX (el retrato de Kurakin o el retrato de Pablo I) se percibe la influencia del clasicismo, se caracterizan por la gama discreta de colores y la sequedad de medios expresivos. Además, el pintor realizó retratos de campesinos, lo cual era poco frecuente en aquella época (“La campesina de Torzhok, Cristinia”, 1795).

En los últimos años de su vida la creación de Borovikovski disminuyó debido al influjo de tendencias religiosas místicas. A partir del año 1810 solamente pintó iconos. La última obra del pintor fue el iconostasio de la iglesia del cementerio de Smolenskoe.

Bilibin, Iván Yákovlevich (1876-1942)

2009-12-26T15:05:00.008+03:00

Iván Bilibin nació en el pueblo de Tarjovka, cerca de San Petersburgo, en la familia de un médico de la marina militar. Compaginó los estudios en la facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo con clases en la escuela privada de A. Azbe en Munich. Posteriomente asistió a la escuela de M. K. Ténisheva y al taller de I. E. Repin. En 1900 se hizo miembro de la asociación Mundo del Arte.

A partir de 1899 Bilibin empezó a trabajar como ilustrador elaborando su propio estilo ornamental que llegó a recibir el nombre de “Estilo Bilibin”. Este estilo basado en la estilización de los motivos de los grabados populares, las antiguas miniaturas rusas y las tallas de madera campesinas, se distinguía por el uso de la acuarela y un diseño de márgenes muy elaborado. Quizá la formación de este estilo de carácter marcademente vernáculo se debió a las expediciones por las regiones del norte que realizó el pintor por encargo del Departamento Etnográfico del Museo Ruso para investigar la arquitectura anterior a la época de Pedro I y las artesanias populares. Sus impresiones se reflejaron no solamente en sus cuadros sino en una serie de artículos: “La obra popular del Norte Ruso” (1904).

Lo que le hizo famoso al pintor fueron las ilustraciones para los cuentos populares rusos “Vasilisa, la bella”, “La hermana Aliónushka y su hermanito Ivánushka”, “Fenist, el halcón”, “La Princesa-rana” y para los cuentos de Pushkin “Cuento sobre el Zar Saltán” y “El gallito de oro”. Desde 1904 trabajó con éxito en escenografía de los espectáculos “El gallito de oro” (1909) y “Sadko” (1914) de Rímsky-Kórsakov, y “Ruslán y Liudmila” (19113) de Glinka.

La revolución de octubre no fue bien recibida por el pintor. En otoño de 1917 se fue a Crimea,y desde allí a Egipto en 1920, en donde vivió en El Cairo y Alejandría. Solamente en 1925 se fue a París. En el extranjero, además de obras teatrales e ilustraciones, creó una serie de vistosos lienzos que llegaron a ser el patrón del denominado estilo “Le Russe”. El pintor decoró la embajada rusa en París con un monumental lienzo patriótico: “Mikula Selanínovich” (1936-1937). Decoró también algunas iglesias ortodoxas en Egipto y Checoslovaquia. Para el año 1936 Bilibin empezó a aceptar el régimen soviético y regresó a Leningrado. Las últimas décadas de su vida trabajó como profesor de dibujo y diseño escénico en la Academia de Bellas Artes. Murió en Leningrado el 7 de febrero de 1942 durante el bloqueo .

El nombre de Bilibin está asociado a la aparición de la ilustración como un arte individualizado. Su estilo cambió totalmente la actitud hacia la ilustración. El pintor decía que basándose en el grabado antiguo europeo y japonés, añadió a su obra motivos del arte antiguo ruso, en los que estaban presentes elementos de iconografía, bordado y grabado rusos, creando así un estilo donde el dibujo era a la vez ilustración y ornamento.

Annenkov, Yuri Pávlovich (1889-1974)

2009-12-21T19:49:00.008+03:00

Yuri Pávlovich Annekov nació en Petropávlovsk-Kamchatski en 1189. Era hijo de Pável Annekov miembro del partido "La voluntad del Pueblo" que fue desterrado a este lugar por su participación en el asesinato de Alejandro II.

En 1892 el familia pudo regresar a San Petersburgo. La formación artística de Annenkov no fue académica aunque frecuentó el estudio de S. M. Zedyenberg y estudió en el Instituto de Dibujo Técnico del Barón A. D. Stiglitz. En 1911 se fue a París donde fue alumno de Félix Vallotton y Maurice Denis.

Al volver a San Petersburgo su interés se centró en las artes gráficas, dibujando para las revistas "Satirikón" y "Teatro y arte". Ilustró libros de Jack London, Korney Chukóvsky y fue el autor de las famosas ilustraciones para el poema de Alexánder Blok "Los doce"(1918).

Entre 1917 y 1922 fue miembro de la asociación Mundo del Arte. Siguiendo la tendencia de esta asociación el pintor elaboró su propio estilo expresionista, cercano al cubofuturismo, del cual son buenos ejemplos los retratos de Ajmátova, Zamiátin, Kérenski o Trotsky.

En los primeros años posteriores a la Revolución Annenkov trabajó mucho para el teatro destacando los decorados de "El espejo deformante" de N.N. Evreínov, en donde montó casi todos los espectáculos, siendo uno de los fundadores del expresionismo en la escena rusa.

En 1921 el pintor funda con otros la Asociación de Pintores de Caballete (OCT).

En 1924 Annenkov salió de viaje de negocios a Italia y desde 1925 se quedó a vivir en París. Siguió trabajando mucho como dibujante de libros y escenógrafo, colaboraba con G. Balanchine, S.M. Lifar, V.F. Nijínsky y M.A. Chéjov, poníendo en escena obras clásicas rusas en los teatros de París y Montecarlo.

En esta época el cine ocupó un lugar muy especial en la producción de Annenkov diseñando decorados y vestuario para más de 50 películas, casi todas siguiendo un estilo modernista clásico. Llegó a recibir un Oscar por la película "Madame de..." del director Max Ophuls en 1954. En la URSS se hizo popular por la película sobre Amedeo Modigliani "Montparnasse, 19" en la que participó como pintor.

En 1966 se publicaron en Nueva York sus memorias, "Diario de mis encuentros. Un ciclo de tragedias", una obra en la que el autor escribió con irónia sobre la cultura rusa y soviética.

Más información

Panes

2009-11-29T21:14:00.002+03:00

I. Mashkov. “Panes”. 1912

En esta obra Iliá Mashkov, uno de los fundadores de la asociación "La Sota de Diamantes" nos muestra un conjunto de panes amontonados en un escaparate. Como otros miembros del grupo subraya especialmente la factura y gravidez de los objetos. En sus busquedas artísticas el autor se dirigió tanto a Cezanne como a las pinturas de artesanos rusos procedentes de rótulos de tiendas, lubkí (grabados populares) o la pintura lacada.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Anciano

2009-11-29T21:01:00.003+03:00

R. Falk. “Anciano”. 1913

Robert Falk destacó entre los miembros de la Sota de Diamantes por su tendencia al lirismo y su interés por la psicología. Muy a menudo Falk pintó a personajes concretos pero el título de la obra era genérico, como en este caso. Aquí el autor usa tecnicas del cubismo pero para reforzar el carácter emocional de la obra. Es por esto que algunos estudiosos han definido la obra de Falk como "Cubismo Lírico".

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

El rapto de Europa

2009-10-01T22:05:00.002+04:00

V. Serov. “El rapto de Europa”. 1910

En 1907 Valentín Serov viajó a Grecia y visitó Creta. Allí estudió la arcaica cultura griega y pude ver los lugares en donde surgieron los mitos de dioses y héroes. A raíz de las impresiones recibidas en este viaje surgió esta obra.

El tema del cuadro esta basado en un relato de "Las Metamorfosis" de Ovidio en el que Zéus decide raptar a Europa, hija del rey fenicio Agenor, adoptando la apariencia de un toro. Engañándola, seduciendola con este disfraz la chica subió a lomos del animal, éste se lanzó al mar y la llevó a la isla de Creta en donde el dios le reveló su identidad y concibió con ella tres hijos.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Ruido verde

2009-10-01T21:49:00.005+04:00

A. Rylov. “Ruido verde”. 1904

Según palabras del poeta Nikolái Nekrásov: "El pueblo llama al despertar de la primavera el ruido verde". Basándose en esta imagen poética Arkadi Rylov creó esta obra, una imagen alegórica de la naturaleza rusa que el maestro conoció y amó desde su niñez. Rylov estudió en la Academia de Artes con el maestro Arjip Kuindzhi logrando desarrollar su talento sin convertirse en un mero imitador del ilustre paisajista y encontrato en el primer cuarto del s. XX su propio lugar como maestro del paisaje.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Retrato Fiódor Shaliapin

2009-09-28T20:45:00.004+04:00

B. Kustódiev. “Retrato Fiódor Shaliapin”. 1921

Este cuadro es todo un homenaje de Borís Kustódiev al gran bajo de opera ruso Fiódor Shaliapin. Como una estatua monumental el cantante es representado sobre una colina. A sus su querido bulldog blanco. Abajo, en segundo plano, están las hijas del pintor Marfa y María. Junto a éstas un cartel anunciando la gira del cantante. De fondo el panorama de una plaza de una ciudad de provincias inundada por un ambiente festivo. Este telón de fondo reproduce de hecho los decorados de la obra de teatro "fuerza enemiga" de Alexánder Serov, interpretada por Shaliapin en el teatro Marinski de San Petersburgo. La escenográfia fue elaborada por Kustódiev a invitación del propio Shaliapin.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Retrato de Nadieshda Staniukévich

2009-09-28T20:24:00.003+04:00

V. Borísov-Musátov. “Retrato de Nadieshda Staniukévich”. 1903

La retratada, Nadieshda Staniukévich, fue una persona muy cercana a Víctor Borísov-Musátov. A comienzos de 1905 fue con su marido al frente de la guerra Ruso-Japonesa para trabajar en un hospital de campaña, pero sus nervios no pudieron aguantar la presión y regresó a Moscú con su salud mental muy deteriorada. Los esfuerzos de Borísov-Musátov por salvar a su amiga fueron en vano.

La tristeza de su rostro, la languidez de su postura, la mirada turbia parecen estar en armonía con la armósfera de ese jardín apagado y frio y ambos con la psicología de la retratada.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

S. Petersburgo a principios de s. XVIII

2009-09-26T21:37:00.004+04:00

E. Lanceray. “S. Petersburgo a principios de s. XVIII”. 1906

San Petersburgo fue la ciudad predilecta de los pintores de la asociación "Mundo del Arte". En este cuadro, Evegeni Lanceray nos presenta la ciudad en los primeros años de su existencia.

En la orilla se yergue el edificio de los 12 Colegios, los antiguos ministerios de la época de Pedro I construidos por el arquitécto italiano Domenico Trezzini y sede actual de la Universidad Estatal de San Petersburgo. A lo lejos los mástiles de la flota que se está construyendo.

En oposición a la serena arquitectura las aguas están agitadas. Una alusión quizás a la que fue una época de agitación y contrastes.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Pintura histórica del s. XVIII

2009-09-22T19:52:00.007+04:00

En Rusia como en otros países europeos de la época la pintura histórica con temas extraidos de la Biblia, la mitología o la literatura clásica fue considerada la forma más excelsa de creación artístisca. La representación de los héroes del pasado era entendida como una labor que ennoblecía al artista al mostrar sus hazañas que ensombrecían los hechos de los contemporáneos a la vez que les servían de ejemplo e inspiraban un calculado patriotismo. Todos los esfuerzos de la Academia fueron centrados en este género en detrimento de géneros como el retrato o el paisaje.

Matvei Ivanovich Puchinov (1716-1797) fue uno de los primeros pintores de este género en Rusia. Fue enviado a estudiar a Italia al estudio de Domenico Tiépolo. En 1762 el fue concedido el título de académico por su obra "La conversación de Diógenes y Alejandro". Otra de sus obras más reconocidas es "La muerte de Camila, hermana de los Horacios" (1787).

Anton Pavlovich Losenko (1737-1773) fue uno de los mejores representantes del género histórico de la época. Nació en Ucrania y siendo niño, tras la muerte de su padre, fue enviado a San Petersburgo para cantar en el coro de la corte. En 1753 pasó a ser alumno de Argúnov. Después de un año de estudios su diligencia y talento encargándole el Conde Shuvalov su retrato. En 1760 la Academia lo envió a estudiar a París en donde fue premiado por su cuadro "La muerte de Sócrates". Posteriormente pasó tres años en Roma. En 1770 pintó su primer tema histórico ruso: "Vladímir y Rogneda" por el cual fue felicitado por Catalina II en persona. Posteriormente Losenko trabajó como profesor de la Academia llegando a ser director de ésta. Fue el primer profesor que escribió un manual para los alumnos (sobre el dibujo del cuerpo humano). Su última obra, inacabada, fue "La despedida de Hector y Andrómaca" tema típico del Neoclásico. El trabajo de Losenko fue admirado por su perfección técnica y usado frecuentemente como modelo por los alumnos de la Academia.

Piotr Ivánovich Sokólov (1752-1791) era un siervo de la duquesa Golitsin que fue liberado a la muerte de ésta. En 1770 recibió la medalla de oro por una obra que era la continuación temática del cuadro "Vladímir y Rogneda" de Losenko: "Vladimir salvado de la venganza de Rogneda". Por la obra "Venus y Adonis" recibió el título de Académico.

Con Grígori Ivánovich Ugriúmov (1764-1823) la pintura histórica rusa alcanzó nuevas cotas. Entró en la Academia a los 5 años y permació en ella 15. Su trabajo de graduación recibió la medalla de oro y fue enviado a París y Roma. Sus temas favoritos se dirigían a la resistencia de los rusos a los invasores, desde las tribus nómadas a los caballeros germánicos. En los primeros años de la Academia se proponian temas de la historía rusa para los premios anuales pero esto no significaba que el tratemiento que le daban los artistas reflejase de alguna manera la historia o la tradición rusa. Por ejemplo, en la obra de Losenko "Vladímir y Rogneda" el tema es sólo una excusa y los personajes son representados a la manera romana. Esta téndencia pseudohistórica fue continuada por Ugriúmov siendo un buen ejemplo "La prueba de fuerza de Ian Usmar". Ugriúmov fue un destacado profesor de la Academia durante 20 años. Entre sus alumnos se contaron artistas como Kiprenski.

Con la llegada del Neoclasicismo aparece también una mirada más estricta del pasado. Dos ejemplos del cambio de siglo son "Minin y Pozharski" y "El encuentro del príncipe Igor y Olga" atribuidos al escasamente conocido pintor Vasili Kirilóvich Mashilev (nacido en 1872). Estas obras muestran un mayor cuidado en su intento de recrear el pasado o de mostrar elementos como la vestimenta.

Espejismo en la estepa

2009-09-20T17:05:00.003+04:00

P. Kusnetsov. “Espejismo en la estepa”. 1912

Alumno de Korovin y Serov, Pável Kusnetsov fue uno de los participantes en la famosa exposición de 1907 "La rosa azul" que unió por un breve periodo a los pinores afines al simbolismo. En la segunda década del s. XX Kusnetsov abandonó progresivamente el simbolismo para dirigirse a la naturaleza y culturas orientales. El interés por oriente en el arte ruso aparece en un momento de crisis del simbolismo. Hay un alejamiento de la cultura europea en la busqueda de un equilibrio entre razón e intuición.

Este espejismo en la estepa parece mostrarse a los ojos de un viajero cansado que ha recorrido un largo camino en su huida de la civilización. El lento movimiento de los camellos, el esquileo de las ovejas, la mujer durmiendo en una alfombra al lado de la yurta... Todos estos motivos se repiten en otras obras "kirguises" del autor.

Esta obra forma parte de la colección de la galería Tetriakov de Moscú.

El jardín de la abuela

2009-09-19T21:12:00.003+04:00

V. Polénov. “El jardín de la abuela”. 1879

Este cuadro de Vasili Polénov es una alegoría del sentimiento ante la fugacidad de la vida y una reflexión poética sobre la belleza y su carácter efímero. Las dos mujeres personifican la juventud y la vejez. El autor además ha incluido detalles como señales de deterioro en la casa o de abandono del jardín para reforzar el mensaje. La mujer joven era la hermana del pintor: Vera.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de Anna Pávlova

2009-07-12T22:17:00.006+04:00

V. Serov. “Retrato de Anna Pávlova”. 1909

Este retrato de la famosa bailarina Anna Pávlova de Valentín Serov se concibió originalmente como un boceto para el cartel de la actuación de la primera bailarina del Marinski en París en 1909, en la primera gira del ballet ruso que organizó Serguéi Diáguilev.

En 1913 la famosa bailarina abandonó San Petersburgo exiliándose en Inglaterra y dando comienzo a una nueva vida errante llena de dificultades. Durante años su pequeña compañia actuó por todo el mundo cosechando éxitos. La bailarina llegó a crear su propio estilo de baile en donde se combinaban elegancia, temperamento, técnica brillante y una particular espiritualidad.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Muchacha recogiendo uva en los alrededores de Nápoles

2009-07-12T21:51:00.002+04:00

K. Briulov. “Muchacha recogiendo uva en los alrededores de Nápoles”. 1827

Tras graduarse en la Academía de Artes de S. Petersburgo en 1822 Karl Briulov viajó a Italia quedando fascinado por el país.

Pintó una serie de pequeños cuadro de género en los que mostraba escenas de la vida cotidiana del pueblo italiano. En cuadros como éste que tenemos aquí, el pintor se recreaba en la naturaleza y la alegría que rodeaba a las gentes del país.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Anochecer. Los almiares.

2009-07-06T22:01:00.004+04:00

I. Levitán. “Anochecer. Los almiares”. 1899

Isaac Levitán murió antes de llegar a los 40 años, en 1900. Durante los últimos años de su vida predominan los anocheceres y crepúsculos en su obra, los momentos en que la naturaleza se torna algo misterioso e irreal. Una reflexión quizás sobre la misma naturaleza de la existencia y un reflejo de los profundos sentimientos que moraban en el interior del artista. Y no sólo esto ya que a Isaac Levitán se le conoció en su época como el hombre que supo plasmar el alma del paísaje ruso en sus lienzos.

Esta obra forma parte de la colección de la galería Tetriakov de Moscú.

Pan

2009-07-05T20:28:00.003+04:00

M. Vrúbel. “Pan”. 1899

Mijail Vrúbel se interesó por el folklore durante su estancia en Abrámtsevo, la finca a las afueras de Moscú de Savva Mámontov en la que trabajaron juntos Répin y Vasnetsov, Polénov y Korovin, Serov o Nésterov.

Inspirado por Vasnetsov, Vrúbel se dirige a una temática inspirada en los cuentos populares, pero a diferencia de éste, que usaba el lenguaje del realismo, Vrúbel crea un mundo fantástico, turbio y enigmático.

Sobre el fondo de un paisaje extraño predomina el rostro y figura del personaje que personifica el alma de la naturaleza. "Pan" fue pintado inspirado por el relato de Anatole France "El sátiro santo" pero este Pan no es un dios antiguo sino un espíritu de la naturaleza de la Rusia central, un espíritu del bosques rusos torcido como un tocón, bondadoso, de enormes ojos azules como lagos, violetas a sus pies y dedos nudosos como ramas de árbol. La naturaleza y este ser parecen formar una unidad completa.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Reparto familiar

2009-07-05T20:09:00.004+04:00

V. Maximov. “Reparto familiar”. 1877

En esta obra de Vasily Maximov vemos una muestras de las disputas por las herencias que se daban en las familias del campesinado ruso.

Estamos en el interior de una isba de techo bajo viendo una escena en la que reina el desorden y la agitación. Los testigos están sentados a la mesa. Sobre ésta, el pan cortado simboliza la escisión de la familia. Con psicológica precisión el pintor representa el elocuente silencio de los dos hermanos. Al hermano mayor le cuesta soportar la mirada de reproche de su hermano menor. Sin embargo, el egoísmo y los intereses propios predominan sobre los lazos de sangre. La esposa del hermano mayor se adueña de la mayoría de las cosas. De expresión dura, el propio pintor la llamaba "la tía rabiosa". La mujer del hermano menor, ofendida por la injusticia mantiene su dignidad y feminidad.

Maximov era de origen campesino, de ahí que quizás haya presenciado escenas parecidas a esta.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Retrato de Pável M. Vasiliev

2009-07-05T19:42:00.005+04:00

V. Tropinin. “Retrato de Pável M. Vasiliev”. 1830's

La vida del pintor Vasili Tropinin está ligada a la primera mitad del siglo XIX. Hijo de un siervo, cursó estudios en la Academia de Bellas Artes. Hasta los 20 años vivió en la hacienda de su amo. Recibió la libertad a los 28 años y estableció su residencia en Moscú, lugar en donde pasó el resto de su vida.

En el retrato tenemos a Pável M. Vasiliev, contable del teatro de Moscú y músico notable, representado en el sencillo ambiente de casa, dando la espalda a su mesa de trabajo. Su cara nos muestra a una persona afable y benevolente. El retrato es una buena muestra del estilo del autor.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

El desayuno de un aristocrata

2009-05-31T20:51:00.004+04:00

P. Fedótov. “El desayuno de un aristócrata”. 1848

Esta obra de Pável Fedótov se situa dentro de su serie de obras satíricas . Ya había pintado obras como la "Petición de mano del comandante".

La escena nos muestra a un joven petimetre lujosamente vestido sorprendido en el momento de su desayuno. Cogido por sorpresa, intenta tapar su escaso desayuno con un libro. La abundancia de objetos en la habitación o el caniche contrastan con el pobre desayuno. La escena nos habla de la hipocresía, la vanidad del mundo y las falsas apariencias.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Dos Campesinas

2009-04-30T23:29:00.004+04:00

F. Maliavin. “Dos Campesinas”. 1910's

Alumno de Repin, Filip Maliavin obtuvo gran éxito en su época con este tipo de obras vivamente coloridas, pintadas apasionadamente. Otra de las constantes de su obra fue la cultura campesina rusa, de la que este cuadro es un buen ejemplo.

Un crítico de arte contemporaneo del maestro dijo que en sus cuadros: "...aparece algo espontaneo y sutil del espíritu ruso, un reflejo de los incendios y el olor a sangre que han cubierto la historia rusa..."

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Ramo de otoño

2009-04-17T19:34:00.003+04:00

I. Repin. “Ramo de otoño”. 1892

Este cuadro es una de las mejores obras de Iliá Repin en la década de 1890. En aquellos años su fama estaba consolidada en todo el país pero su vida personal sufrió fuertes cambios, se separó definitivamente de su mujer y compró su finca de Srdávnevo con la idea de apartarse del mundanal ruido y estar más cerca de la naturaleza. El pintor residía allí desde al primavera al otoño con su anciano padre y sus hijas. Una de ellas, Vera, es la que aparece retratada en este cuadro. Una persona muy inclinada a las artes que probó fortuna en el teatro, el canto y la pintura.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

En las habitaciones

2009-04-17T19:20:00.004+04:00

K. Zelentsov. “En las habitaciones”. 1820's

En esta obra de Kapitón Zelentsov se muestra un interior típico de una vivienda de clase alta de la primera mitad del s. XIX. Esta obra es cercana a la escuela de Venetsiánov y probablemente el autor fue estudiente suyo.

Los críticos estiman que este sería el interior de una residencia o villa moscovita ya que la intimidad que refleja, el concepto de "vida privada" se asociaba con Moscú y no con San Petersburgo.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Casita en San Petersburgo

2009-04-01T18:40:00.003+04:00

M. Dobuzhinsky. “Casita en San Petersburgo”. 1873

Los pintores de la asociación Mundo del Arte eran respresentantes de refinada cultura de San Petersburgo con lo cual no es raro que la ciudad sea la protagonista de muchas de sus obras. Lo normal es que representasen el San Petersburgo de gala, el clásico con sus palacios y parques.

Sin embargo un pintor de esta asociación, Mstislav Dobuzhinsky, se fijó en la otra cara de la ciudad, los suburbios y lugares menos luminosos, los edificios oscuros y viejos. Un San Petersburgo oscuro, frio y deprimente que deshumaniza a sus habitantes.

Los trabajos de Dobuzhinsky pueden traernos a la cabeza la literatura de Dostoievsky para cuyas obras el pintor realizó interesantes ilustraciones.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Barcas en el Volga

2009-03-26T20:01:00.003+03:00

F. Vasiliev. “Barcas en el Volga”. 1870

Fiodor Vasiliev pudo haberse convertido en la figura más relevante del paisajismo ruso de no haber sido por su temprana muerte a los 23 años a causa de una tuberculosis.

A los 20 años emprendió un viaje por el Volga acompañando al maestro I. Repin fruto del cual, entre otras, es esta obra. Las barcas dominan la composición. Al lado junto al fuego un grupo de bateleros.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Fiódor Shaliapin en el papel de Borís Godúnov

2009-03-19T19:03:00.005+03:00

A. Golovin. “Fiódor Shaliapin en el papel de Borís Godúnov”. 1912

En esta obra Alexánder Golovin representa al bajo ruso Fiódor Shaliapin caracterizado como uno de sus personajes más logrados Borís Godunov, protagonista de la ópera del mismo nombre de Modest Músorgski.

El pintor retrató al cantante justo después de la función, pintó su cara y continuó trabajando en el resto del cuadro en el estudio sin el modelo, prestando especial atención a la vestimenta.

La ópera Borís Godunov se estrenó en 1911 en el teatro Marinski de San Petersburgo dirigida por el afamado director Vsévolod Meyerhold. El maquillaje, los trajes y los decorados fueron realizados según los diseños de Golovin.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

La Fundación de la Academia de Artes

2009-03-17T16:16:00.006+03:00

En 1757 fue fundada la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, institución que sería determinante en el desarrollo del arte ruso del s. XVIII. Inicialmente la institución fue concebida como un departamente de la Universidad de Moscú, fundada en 1755 por iniciativa del Conde Iván Shuválov y Mijáil Lomonósov; sin embargo el senado insistió en que la Academia se situase en San Petersburgo, por otro lado, parecía improbable que los pintores venidos del extranjero quisieran desplazarse tan lejos de la corte.

Las actividades de la Academia eran diversas: formar a artistas, coordinar las actividades artísticas del país, la distribución de encargos entre artistas y arquitectos y la concesión de los títulos de "académico" o "artista amateur".

En sus incios la Academia fue financiada por Shuvalov siendo este su primer rector. En esta época se invitó a algunos artistas de la Academia Francesa a impartir clases, entre ellos figuraban el pintor Claude Lorraine o el escultor Nicolas Gillet.

En 1774 la Academia pasó a ser una institución estatal. En 1776 se abrió una escuela de arte para niños de 5 o 6 años, estos eran de origen plebeyo ya que la nobleza de la época consideraba indigno dedicarse a tales menesteres. La formación duraba unos 15 años, periodo en que los artistas vivían separados de su familia y practicamente del resto de la sociedad. El objetivo era formar artistas que trabajasen según los principios de la monarquía absoluta. El control del proceso creativo era dominante, siendo por esto que posteriormente se calificaría a estas obras como "academicistas". El principio era formar al estudiante en base a copiar e imitar los modelos clásicos, principio importado de la Academia Francesa y no malo "per se" pero totalmente ajeno a la tradición cultural del país. A los estudiantes se les ponía a imitar los paisajes de artistas como Jacques-Louis David, Van Loo o Nicholas Poussin.

Al contrario que en Francia; donde arquitectura, escultura y pintura se enseñaban en diferentes instituciones en Rusia la Academia enseñaba todas estas materias bajo un mismo techo. El curriculum de la Academia incluía disciplinas como anatomía, óptica, perspectiva, dibujo arquitectónico o proporciones, así como otras materias como matemática, historia, geografía, literatura rusa, composición y lenguas extranjeras. La principal materia era el dibujo, los estudiantes comenzaban copiando cuadros pasando luego a copiar modelos de yeso y, por fin, modelos vivos. Sólo después de alcanzar la maestría en el dibujo se permitía a los estudiantes empezar a pintar. Los temas de las obras estaban estrictamente restringidos a los bíblicos, históricos y mitológicos.

Había diferentes departamentos en la Academia. El principal estaba dedicado a la pintura histórica y de batallas. Otros fueron el de retrato, paisaje, escultura y arquitectura y flora y fauna. Este último fue posteriormente clausurado por no corresponderse con los pretenciosos ideales del Clasicismo.

Al final de sus estudios los estudiantes debian entregar un trabajo de graduación. Los mejores eran premiados con la medalla de oro de primera y segunda categoría. A los galardonados se les premiaba con un viaje de estudios de tres años al extranjero, prinpalmente a París y Roma.

El primer rector de la academia fue el Conde Iván Shuválov, hombre de multiples talentos que donó a la Academia su colección de pintura. Su sucesor entre 1763 y 1794 fue I. I. Betskii, hombre de vastos conocimientos pero escasa imaginación y carácter autoritario que afectó negativamente a la institución con el paso de los años de su mandato. Los siguientes rectores entre 1794 y 1800 (Musin-Pushkin y Choiselle-Gouffier) fueron menos dedicados a la institución que sus fundadores. Fueron Alexander Kokorinov y Antón Losenko los que llevaron a la Academia a sus cotas más altas, siendo a finales del XVIII una altamente respetada institución con una programación regular de clases y una cuidada programación académica. Ya en la década de 1770 el profesorado de pintura y dibujo era exclusivamente ruso y el papel del profesorado extranjero decrecía rapidamente.

Más información

Procesión de Pascua en un pueblo

2009-03-16T17:25:00.003+03:00

V. Perov. “Procesión de Pascua en un pueblo”. 1861

En la decada de 1860 Vasili Perov pintó una serie de cuadros que revolucionaron la pintura rusa y crearían toda una escuela se pintura orienteada a la denuncia social.

En esta obra nos muestra la celebración de la Pascua en una aldea rusa en la que todo lo que representa esta fiesta sagrada es tirado por los suelos. El sacerdote borracho apenas se tiene en pie mientras baja el soportal, de las manos del escribano el libro de oraciones cae al barro, la procesión parece desplazarse caóticamente...

Perov nos quería mostrar aquí la imagen de una vida sin esperanza. Ayudanado a reforzar la impresión el parco colorido del cuadro que crea un paisaje lúgubre y oscuro.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

En las montañas de Crimea

2009-03-12T01:49:00.003+03:00

F. Vasiliev. “En las montañas de Crimea”. 1873

Este cuadro fue una de las últimas obras, si no la última, de Fiodor Vasiliev que murió ese mismo año en Yalta con sólo 23 años.

En una de sus cartas a Kramskoi, Vasiliev afirmaba que un cuadro que reflejase la naturaleza de estos paisajes montañosos en toda su pureza serviría para borrar todo mal del alma del espectador que lo contemplase.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

La nueva Roma. El castillo de Sant'Angelo

2009-03-08T23:46:00.003+03:00

S. Schedrín. “La nueva Roma. El castillo de Sant'Angelo”. 1823

Silvester Schedrín vivió en Italia los mejores años de su vida, muriendo tempranamente en Sorrento a la edad de 39 años. En esta obra el pintor aborda por primera vez una un trabajo en "plein-air", al aire libre; de hecho es la primera obra de un autor ruso de este tipo.

El pintor elabora una vista desde un malecón del Tiber. Los famosos monumentos del pasado hacen de telón de fondo de la "nueva Roma", los barrios humildes de la ciudad en donde las clases bajas desarrollan su actividad.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Pescadores

2009-03-04T23:49:00.004+03:00

G. Soroka. “Pescadores”. 1840

Grigori Soroka fue siervo del terrateniente Miliukov. De niño aprendió a dibujar por su cuenta. Posteriormente tomó lecciones de A. Venetsianov llegando a ser su alumno más famoso. La obra de Soroka no fue muy amplia. Pintó la finca de los Miliukov y las zonas vecinas, las aldeas, sus habitantes, además de algunos retratos e iconos para las iglesias locales.

En este cuadro podemos apreciar una instanstanea de la vida rural rusa en la región del Tver.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

La travesía de Suvórov por los Alpes

2009-03-03T22:36:00.005+03:00

V. Súrikov. “La travesía de Suvórov por los Alpes”. 1899

En esta obra Vasili Súrikov nos muestra un memorable episodio de las Guerras Revolucionarias Francesas. El paso del considerado hasta entonces inaccesible puerto de San Gotardo en los Alpes Suizos en 1799 llevado a cabo por el ejercito ruso al mando del Mariscal de Campo Alexánder Suvórov.

En el cuadro Suvórov parece retar a sus soldados a descender por la aguda pendiente. La respuesta de los soldados es variada y va desde los que sonrien ante el desafio al que se persigan o se tapa la cara. La disposición vertical de la escena ayuda a transmitir tanto la altura de las montañas como el movimiento del descenso.

Como en otras ocasiones Súrikov se documento profusamente para la elaboración de su obra. Estudió al ejercito de la época de Pablo I, se desplazó a Suiza para estudiar el escenario de los hechos y descendió el mismo por esas montañas.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

La petición de mano del comandante

2009-02-25T22:20:00.005+03:00

P. Fedotov. “La petición de mano del comandante”. 1848

En los cuadros de Pável Fedótov las escenas de la vida cotidiana del s. XIX se transforman en pintorescos espectáculos. Cuando se expuso este cuadro en la Academia de Artes tuvo un sonado éxito y lanzó a su autor a la fama.

En la casa de un comerciante se ha fijado la primera visita del pretendiante a la mano de su hija al cual sólo conocen por boca de la casamentera. Esta ya ha entrado en la habitación mientras el comandante, un buscador de fortuna, espera en el umbral arreglando su bigote. Parece ser que Fedótov se retrato a si mismo en éste personaje. Cerca de la casamentera está el padre, arreglándose su levita. La novia prece querer esconderse pero por su gesto amanerado lo que percibimos no es sino coqueteo. La madre trata de detener a la novia agarrándola por la falda.

Fedótov fue el introductor de la pintura de género en el arte ruso.

Esta obra forma parte de la Galería Tetriakov de Moscú.

El Retrato a Comienzos del S. XVIII

2009-02-20T22:03:00.005+03:00

Uno de los motivos por los que el retrato es el principal género de la época puede simplemente la vanidad y deseo de ostentación de la nobleza que les llevó a realizar numerosos encargos. El retrato se hizo un elemento necesario en cualquier casa noble. Esto no significa que nos vayamos a encontrar sólo con retratos puramente formales, junto a estos aparecen ejemplos de un fino tratamiento de la psicología del modelo. Aunque la mayoría de los retratos producidos en la corte fueron realizados por extranjeros dos nombre rusos destacan desde una fecha temprana.

Andrei Matiéev (c.1701-1739) tenía quince años cuando recibió una pensión para estudiar en Holanda, allí estudio con el maestro holandés Boonen. En 1724 fue a Flandes, entrando en la Real Academia en donde estudió pintura alegórica e histórica. A su vuelta a San Petersburgo trabajó en la Catedral de Pedro y Pablo, fue el pintor principal del Departamento de Construcción, trabajó en la decoración de los 12 Colegios y pintó varios iconos y retratos. Su retrato con su mujer (1729) es el primer retrato de una pareja en donde el autor declara abiertamente el amor por su pareja. Puede que en sus estancia en Flandes viese varios retratos de este tipo, pero este destaca por su sencillez y honestidad.

Iván N. Nikitin (c.1690-1742) fue un personaje más complejo. Su biografía es dramática. Hijo de un sacerdore moscovita empezó a pintar a temprana edad. Pintó algunos retratos de la familia del zar y recibió una pensión para estudiar en Florencia entre 1716 y 1720. A su vuelta, entre 1720 y 1725 Nikitin desarrolla lo mejor de su producción, es nombrado por Pedro I jefe de los retratistas, disfruta de fama y reconocimiento y tiene su propio estudio. La muerte del zar marca del comienzo de su declive. Junto con su hermano Roman, tambien pintor, se traslada a Moscú. No se adapta a la creciente occidentalización e insiste en pintar a la manera de los iconos del XVII. Es acusado de estar en posesión de unas cartas en las que se injuria al Patriarca de Moscú, Teophan Prokopovich, y es desterrado a Siberia. Esto sucedía durante el reinado de Ana Ioanovna (1730-1740). Residió en Tobolsk hasta 1742, en donde pintó un retrato del obispo y el iconostasio. Isabel I le indultó permitiéndole volver a San Petersburgo. Por desgracia, murió antes de llegar a la capital.

Un tipo de retrato popular en estos días fue un pequeño retrato esmaltado llamado "finift". En este terreno destacaron los pintores Grigori Mussikiski (1670/71-1739) y Andrei Ovsov (1678/79?-1740?) considerados los fundadores de este tipo de arte en Rusia.

La técnica del esmaltado era bien conocida antes de Pedro I usándose para decorar Biblias o partes de las iglesias. El principal ingrediente era una aleación de vidrio que se convertía en polvo y de la que se obtenía el color. Su uso es particularmente delicado, dejando un mínimo margen de error en la elaboración de la miniatura.

La mayoría de los artistas de Pedro I, sin embargo, se dedicaban al grabado. Mapas, ilustraciones de libros, ornamentación de éstos... la calidad de su obra se considera a la par que la de sus colegas europeos. El grabado era muy popular en la época en toda Europa, este éxito se debe a que era un medio inmediato y visual de transmisión de los acontecimientos de la época. El mismo Pedro I tomó lecciones de grabado del alemán Peter Picart (c.1668-1737). Los principales represantes de la escuela rusa de grabado fueron Alexei e Ivan Zubov.

Catalina II paseando en Tsárskoe Sieló

2009-02-20T21:42:00.005+03:00

V. Borovikovski. “Catalina II paseando en Tsárskoe Sieló”. 1794

El desarrollo artístico del ideario de la Ilustración tomó dos direcciones. Si el Clasicismo simbolizó los principios racionales de ésta el Sentimentalismo entró en la esfera de lo emocional.

Esta obra, al igual que otras, de Vladimir Borovikovski, es un buen ejemplo de esta corriente. Por este cuadro Borovikovski recibió el título de académico.

Se hace dificil reconocer a una poderosa emperatriz en esta afable señora entrada en años que pasea por el parque. Su vestuario no es lujoso, no aparecen atributos de poder imperiales, sin embargo, el entorno del parque no es menos suntuoso que el interior de un palacio. La pose de la emperatriz es reservada a la vez que majestuosa. Se nos muestra ante nosotros más a la manera de un filósofo que reflexiona en el seno de la naturaleza.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de un Hetman

2009-02-16T21:12:00.002+03:00

I. Nikitin. “Retrato de un Hetman”. 1720's

En este retrato Ivan Nikitin nos muestra a un soldado veterano, un "hetman", uno de aquellos comandantes militares en los que se apoyó el zar Pedro para llevar a cabo sus reformas y campañas militares. Desconocemos la persona del retratado, sabemos de su rango por una inscripción en el cuadro, pero podemos afirmar que es un hombre de su época. Su rostro curtido y su mirada tensa nos habla de un hombre que habría pasado por muchas de las númerosas campañas militares del s. XVIII.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

La pintura en la época de Pedro El Grande

2009-02-15T18:26:00.007+03:00

A comienzos del s. XVIII se hacen patentes en las artes plásticas los cambios en el país y la occidentalización traidas por el zar Pedro I. La decadencia de la antigua escuela de pintura rusa comenzó ya en el s. XVII. El s. XVIII trajo la pintura al oleo de temática secular. De entre todos los géneros destacó de largo el del retrato en diferentes formatos.

Los rusos accedieron a las técnicas del arte occidental por dos vías: por un lado artistas europeos fueron invitados a trabajar en Rusia y formar una nueva generación de artistas rusos y por otro las residencias de los nobles se llenaron de obras de arte occidentales. Pedro I favoreció personalmente la posibilidad de que los artistas rusos más validos tuviesen la posibilidad de estudiar con maestros europeos, principalmente en los Países Bajos e Italia. A estos estudiantes se les llamaba "pensionistas" por la pensión que recibían del estado para pagar los gastos del viaje. El objetivo del zar no era que los artistas se limitasen a copiar el estilo occidental sino, más a largo plazo, desarrollar una generación de ingenieros, científicos y artistas que pudiesen competir al mismo nivel con sus colegas europeos.

En 1716 los primeros pensionistas rusos fueron enviados al extranjero. Era una oportunidad excepcional para que pudiesen ver con sus propios ojos las obras maestras de la pintura occidental.

Pedro I acarició la idea de establecer una Academia de Bellas Artes en Rusia. Este proyecto no llegó a realizarse durante su vida aunqe si hubo una Escuela de Artes y Ciencia que abrió en San Petersburgo en 1726. Los estudiantes recibían formación en dibujo y grabado, añadiéndose un curso de arquitectura en 1747 al curriculum.

Fue sólo al final de su reinado cuando el zar pudo ver algunos de los frutos de sus esfuerzos. Estos se concretaton en las figuras de dos estudiantes: Andrei Matiéev e Iván Nikitin. Aunque sus carreras fueron breves tuvieron el tiempo de probar que el esfuerzo empleado en sus lecciones en los Países Bajos y Florencia. El arte del retrato se iba librando de las tradiciones de la pintura de iconos e iba haciendose más franco y naturalista.

Fue costumbre durante la época de Pedro I y sus sucesores inmediatos (Catalina I, Pedro II y Ana Ioanovna) así como entre la corte y nobleza realizar importantes encargos a artistas extranjeros. Su papel fue muy importante al mostrar como trasladar acontecimientos de la vida rusa a un lenguaje artístico aceptado en el occidente europeo. Mostraron a los artistas rusos una nueva manera de pintar, nuevas imágenes y métodos para expresar ideas abstractas. Muchos de éstos artistas extranjeros acabaron estableciéndose en Rusia. En un estado autocrático como el de Pedro I los especialistas venidos del extranjero gozaban de ciertos privilegios y libertades. Podía abrir estudios en donde podían tomar alumnos. Se admite que las obras que salieron de estos alumnos no fueron de un gran nivel pero que aun así contribuyeron a la europeización de la pintura rusa.

Louis Caravaque fue el más eminente de estos maestros llegados de Europa, llegó de Francia en 1716 y permaneció en Rusia hasta el fin de sus días, en 1754. Nacido en Marsella y de origen español, trabajó en la corte de Luis XIV y fue testigo del nacimiento del Rococó llevando este estilo a Rusia. Dicho estilo no fue muy popular en Rusia siendo tan sólo característico de mediados del s. XVIII en la capital.

Otro de los maestros extranjeros más reputados de la epoca fue el bávaro Gottfried Tannauer, reconocido por su retrato de Pedro I en la batalla de Poltava.

Pelagueia

2009-02-14T22:04:00.002+03:00

A. Venetsianov. “Pelagueia”. 1825

Este retrato de pequeño formato de una campesina de la región de Tver esta pintado del natural como la mayoría de las obras de Alexei Venetsianov. La retratada viste blusa y sarafán rojo oscuro. La campesina va vestida de fiesta. El primer día de la cosecha era un acontecimiento muy importante para el cual las mujeres vestían ropas de colores vivos confeccionadas para la ocasión.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

San Sergio de Rádonezh

2009-02-11T18:55:00.004+03:00

N. Roerich. “San Sergio de Rádonezh”. 1932

Nikolai Roerich (o Rérij) fue una excepcional en el arte ruso, su misma vida parece una leyenda. Nació y creció en Rusia, viajo y vivió en Europa y América y terminó sus días en el Tíbet.

El pintor se dirigió en muchas de sus obras al pasado de su patria y sus protagonistas. En esta obra representa a San Sergio de Rádonezh como fundador del Monasterio de la Santísima Trinidad y San Sergio. Su figura se alza monumentalmente sobre el fondo del monasterio y el monte Makovéts. A la derecha una imagen del Cristo Pantocrátor.

Se dice que el autor pintó esta obra en 1932 presintiendo el gran peligro que se aproximaba. En la parte inferior hay una inscripción en carácteres eslavos antiguos que reza: "Tu estás predestinado a salvar Rusia tres veces: la primera en tiempos de Dimitri Donskoi, la segunda en la época de las revueltas y la tercera..."

Estos puntos suspensivos se entienden como anuncio de la inminente invasión alemana y futura victoria del ejercito ruso.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

La Cola del Asno

2009-02-10T18:17:00.007+03:00

Las tendencias del primitivismo se encarnan en la obra de Mijáil Lariónov. Los protagonistas de su obra eran los soldados, los juerguistas o los peluqueros. En 1911 Lariónov y su mujer, Natalia Goncharova, abandonarona la asociación "Sota de Diamantes" y fundaron la sociedad "La Cola del Asno" en la que particparon artistas tales como Kasimir S. Malévich o Vladímir E. Tátlin. La asociación se dedicó con gusto a escandalizar a sus contemporáneos con el fin de llamar su atención hacia problemas más serios del arte. En las muestras organizadas por Lariónov, los lienzos de los artistas modernos compartían espacio con los "lubok", o las obras del artista autodidacta georgiano Niko Pirosmani.

Lariónov nunca cesó de progresar. En 1912, en la exposición, "el blanco" (мишень, entendido como blanco de una diana) presentó el "rayonismo", su variante personal del arte abstracto. En 1915, en la exposición de los futuristas aparecieron las obras que auguraban la nueva étapa del amanecer de las vanguardias: Lariónov incluyo en una de sus composiciones pictóricas un ventilador funcionando, D. D. Burliuk fijó a un lienzo una zapatilla vieja y un trozo de jabón, V. E. Tatlin expuso el primero de sus "relieves pictóricos" y V. V. Mayakovski mostró un objeto artístico formado por medio cilindro y unos guantes.

Naturaleza muerta. Espejo y calavera.

2009-02-09T20:37:00.003+03:00

I. Mashkov. “Naturaleza muerta. Espejo y calavera”. 1919

Los miembros de la asociación artística "Sota de diamantes" se recreaban en la representación de la naturaleza material de los objetos: su forma, peso y factura. Es por esto que muy a menudo se dirigieron al género del bodegón o naturaleza muerta.

Esta obra de Iliá Mashkov es un buen ejemplo de esta tendencia.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Destino

2009-02-09T20:17:00.003+03:00

V. Chekriguin. “Destino”. 1922

El arte de Vasily Chekriguin pasó fugazmente por nuestro mundo. El artista murió a la temprana edad de 25 años. Este cuadro es su última obra en la que estuvo trabajando el mismo día de su muerte.

La composición de las figuras femeninas y el colorido parecen transmitir la sensación de inquietud propia de una época de grandes cambios, de ahí el carácter alegórico del cuadro.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Lavanderas

2009-02-07T15:25:00.003+03:00

N. Goncharova. “Lavanderas”. 1911

A principios de la década de 1910 Natalia Goncharova alcanza la cima de su maestría. Por aquella época se dirige a variados y sencillos temas de género como el de este cuadro. En este periodo la autora experimentó la influencia de diferentes corrientes del arte europeo de la época, principalemente Van Gogh, Matisse, Cezanne y los pintores primitivistas.

Las lavanderas de Goncharova representan la imagen de la Rusia campesina más oriental, asiática y escita. No recuerdan tanto a las campesinas de Tula, su ciudad de origen, como a las nómadas de las estepas. Este cuadro puede ser un buen reflejo de la eterna cuestión rusa, siempre entre oriente y occidente.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Arco iris

2009-02-05T18:50:00.003+03:00

I. Aivazovsky. “Arco iris”. 1848

El mar en diferentes momentos y estados fue el principal motivo de las obras de Iván Aivazovsky, pintor al que se encuadrá en la generación de los románticos tardíos.

En el cuadro la tripulación abandona en botes un navio que apenas se mantiene a flote y se dirigen a un difuso acantilado. El autor nos situa en el centro de la tormenta. Los contornos se pierden. Un rayo de luz que se ha colado entre las nubes llena el cuadro de finos matices de color azul, verde, rosa, lila y amarillo.

Cuando termino el cuadro Aivazovsky no encargó un marco dorado como hacía habitualmente, sino negro intenso, para reforzar más el colorido de la obra.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Olga

2009-01-23T00:48:00.004+03:00

V. Súrikov. “Retrato de Olga”. 1888

Uno de los mejores retratos que salieron de los pinceles de Vasili Súrikov fue este retrato de su hija Olga. La niña posa en un ambiente familiar, al lado de la estufa. El pintor ha huido de cualquier tipo de afectación, no interesa la belleza sino la frescura de la niña. La familia rememoraba la paciencia de la niña mientras posaba y como lo suyos le acompañaron durante las largas sesiones para que no se aburriese.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de León Tolstói

2009-01-20T22:45:00.004+03:00

N. Gue. “Retrato de León Tosltoi”. 1884

Un periodo complicado en la vida de pintor Nikolai Gue precedió a la realización de este cuadro. Ocho años antes de realizar esta obra decidió abandonar la pintura e irse a vivir a un pueblo en el que durante años llevó una simple vida de campesino. Volvió al arte entre los años 1870-1880 y este retrato fue la primera obra del autor en este periodo tardío.

El pintor conoció a León Tolstói poco antes de empezar el retrato y su amistad duraría hasta la muerte de Gue. Fue muy cercano a su familia y llegó a impartir clases de pintura sus hijas. Este contacto cercano le ayudo a captar mejor la personalidad de Tolstói. Según dijo el mismo Gue, en el cuadro quiso reflejar lo más precioso de su asombrosa personalidad.

Público y crítica recibieron el cuadro con gran perplejidad. Para empezar se les reprochó que el modelo no posara mostrando sus ojos sino que Tolstói apareciera trabajando como un vulgar artesano.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Músicos

2009-01-20T22:04:00.004+03:00

A. Shevchenko. “Músicos”. 1913

Alexánder Shevchenko fue no sólo pintor sino también uno de los principales teóricos de la vanguardia rusa. Shevchenko tuvo una gran influencia de Cezanne y los Cubistas. A principios de la década de 1910 predominaba en su obra los principios del Primitivismo.

En esta obra al autor no le interesan tanto los personajes como la combinación de colores y la organización plástica del espacio.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Lilas

2009-01-14T21:24:00.001+03:00

M. Vrúbel. “Lilas”. 1900

Mijail Vrúbel se inspiró en un espeso arbusto de lilas que crecía en su casa de campo en Ucrania para la creación de este cuadro. Las flores bajo la luz de la luna parecen tornarse piedras preciosas o llamas fantasmales que esconden formas incorporeas. La oscura y frágil figura femenina parece encarnar el alma de las flores o de la misma noche. Al igual que en la poesía simbolista el crepúsculo es sinónimo de misterio y, a la vez, encarnación del sentimiento de desasosiego dominante en la época.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

La asociación Sota de Diamantes

2009-01-12T13:23:00.002+03:00

Se considera que el nacimiento de la vanguardia rusa coincide con la fundación de la sociedad "La Sota de Diamantes" en 1910. El nucleo de la asociación lo formaron los artistas Iliá I. Mashkov, Piotr P. Konchalovski, Aristarj V. Lentúlov, Robert R. Falk y Mijail F. Lariónov. El irreverente nombre del grupo hacía alusión no sólo a los juegos de cartas sino a los bordados de las mangas de los presidiarios.

Los miembros de la asociación trabajarón diferentes estilos pictóricos, combinando las influencias de Cezanne, el Cubismo y el Fauvismo con motivos de las artes populares rusas. Lentulov en sus pinturas "colordinámicas" transmitía la mirada de la antigua arquitectura de Moscú a través de los cambios de formas cubistas, estratificando los diferentes planos espaciales. En los cuadros de Mashkov y Konchalovski la densa aplicación del color transformaba las obras en elementos autosuficientes en los que el motivo tomado de la realidad pasaba a ser sólo un pretexto para la resolución de problemas pictóricos.

Más información.

Después del concierto

2009-01-11T21:08:00.004+03:00

M. Vrúbel. “Después del concierto”. 1905

Este es un retrato sin terminar que representa a la mujer del Mijail Vrúbel, Nadieshda Sabela. La mujer del pintor era una cantante dotada una hermosa voz. Pensando en ella Rimski-Korsákov compuso la partitura del personaje de Voljova para su ópera "Sadkó".

La idea del lienzo era representar a Nadieshda descansando después de un concierto al lado de una chimenea en un vestido confeccionado según un diseño del mismo Vrúbel.

Los materiales usados por el pintor para la realización del cuadro fueron el pastel y el carboncillo.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Paisaje rayonista

2009-01-03T13:31:00.003+03:00

M. Lariónov. “Paisaje rayonista”. 1912

Este cuadro es una muestra del estilo pictórico que Mijail Lariónov desarrolló y al que denominó "Rayonismo". En éste el autor cubre el lienzo de pinceladas enérgicas, como rayos que los atraviesan en todas las direcciones, cruzándose y dispersándose. Según formuló el mismo Lariónov en su manifiesto "Teoría del rayonismo": "El Rayonismo opera con formas espaciales, escogidas a voluntad del pintor y que pueden aparecer en el punto de intersección de los rayos reflejados desde diferentes objetos ".

El Rayonismo fue una de las primeras variantes de la pintura abstracta. En su teoría prima el trabajo puramente pictórico, debilitándose la relación con el mundo material. Para Lariónov el Rayonismo ofrecía un gran número de posibilidades para el desarrollo de la auténtica pintura. Según dijo él mismo: "Aquello que tiene valor para cualquier verdadero amante de la pintura, en una obra "rayonista" se revela al máximo. Los objetos del mundo real no desempeñan papel alguno. Al mismo tiempo, lo que es la esencia de la misma pintura se revela mejor: la combinación de colores, su saturación, su textura..."

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

En Rusia. El alma del pueblo.

2009-01-01T23:14:00.003+03:00

M. Nésterov. “En Rusia. El alma del pueblo.”. 1916

Mijail Nésterov estuvo trabajando en este cuadro en el periodo comprendido entre la primera revolución de 1905 el la Primera Guerra Mundial (1914). Originalmente tituló al cuadro "Los Cristianos". La idea que impregna el cuadro es la del cristianismo ortodoxo como motor de la historia del pueblo ruso.

A orillas del Volga avanza una procesión. En medio de la multitud dos hombres portan un icono con el rostro del Salvador. Entre el grupo también está el zar vestido a la manera de los siglos XVI-XVII, con la corona del Monómaco y el cetro. El pintor intenta reflejar el potencial no sólo espiritual sino también intelectual del pueblo. Así, también tenemos retratados a los escritores F. Dovstoievski (al que Nésterov admiraba profundamente), L. Tolstoi y V. Soloviov. Detrás de Dovstoievski el pintor retrató a uno de sus personajes: Aliosha Karamázov. Delante de todo el grupo avanza un niño de gesto piadoso. La intención de Nésterov era plasmar el espíritu de la cita evangélica: “En verdad os digo, que si no os volvéis y os hacéis como niños. No entraréis en el reino de los cielos”.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

El estanque

2008-12-31T18:52:00.003+03:00

V. Polenov. “El estanque”. 1879

En 1878 Vasili Polénov se trasladó a uan finca en las afueras de Moscú. Dicha finca tenía un gran jardín. Polénov lo describió como un jardín señorial, viejo y abandonado; con invernaderos, un templo, grutas, estanques y colinas. Un lugar de ensueño.

Sentada en un banco debajo de los árboles la figura de una mujer se confunde con el paisaje.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Otoño dorado

2008-12-28T22:48:00.004+03:00

I. Levitán. “Otoño dorado”. 1895

Este cuadro pertenece al periodo tardío en la obra de Isaac Levitán. En esta época el autor abandona las tonalidades más triste de obras anteriores y se dirige a motivos más alegres y diáfanos. Este hecho contrasta con la vida personal del artista que no le regala ninguna alegria y en la que además se agrava su enfermedad.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

El Boulevard de las Capuchinas

2008-12-28T22:31:00.004+03:00

K. Korovin. “El Boulevar de las Capuchinas”. 1906

París fue el protagonista favorito de las obras de Konstantín Korovin hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial. El Boulevar de las Capuchinas es una de las mejores obras de Korovin sobre este tema. Curiosamente ninguno de sus coetáneos impresionistas franceses lo hicieron se dirigió en aquella época hacía el París nocturno, sólo el pintor ruso.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Popova, Liubov Sergeyevna (1889-1924)

2008-12-27T17:35:00.006+03:00

Nacida en una hacienda de Krasnovidovo (región de Moscú) en la familia de un rico empresario. Aprendió en los estudios de S. Y. Shukovski y K. F. Iuon, y al mismo tiempo con V. E. Tatlin. En 1913 en París tomó clases en la Academia "La Palette" que encabezaban los teóricos del cubismo Albert Gleizes y Jean Metzinger.

Hija de su tiempo, siguió el sendero trazado por la vanguardia rusa. Probó sus fuerzas sucesivamente con el cubismo, futurismo, suprematismo y constructivismo. Persona entusiasta y artista dotada, Popova trabajó la pintura de caballete, la ilustración de libros, en los años posteriores a la Revolución trabajó en posters y arte industrial y en sus últimos años en el diseño téxtil. Tomó parte en numerosas exposiciones vanguardistas ("El Tranvía", "0,10" o "La Tienda"), decorados de la exposición de V. E. Meyerhold y enseñó en el BJUTEMAS.

La artista elaboró un estilo propio basado en una sintesis del cubismo con las tradiciones de la pintura rusa de iconos y el arte del Renacimiento italiano. Creada bajo la influencia del arte de Malévich, las significativas series "Pinturas Arquitectónicas" y "Construcciones de espacio y fuerza" expresan su busqueda de las leyes artísticas universales de la existencia y la armonia y la aplicación de dichas leyes a todos los campos del arte.

Popova murió a causa de una escarlatina que también mató a su marido e hijo.

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Modelo

2008-12-25T16:18:00.002+03:00

V. Tatlin. “Modelo”. 1913

En esta obra Vladímir Tatlin, uno de los líderes de la vanguardia rusa, une lo primitivo con lo delicado. Lo principal en su arte es el objeto como tal, existente por su propio valor y su carácter plástico. Esta obra es uno de sus trabajos de juventud. Después de 1913 dejó de dedicarse a la pintura y se centró en la elaboración de sus famosas estructuras constructivistas a las que llamó "contrarrelieves".

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Violinista

2008-12-24T16:05:00.003+03:00

A. Yákovlev. “Violinista”. 1915

Tras graduarse en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, Alexánder Yákovlev fue de viaje a Italia en donde pintó este cuadro. Según sabemos por el mismo autor en este retrato estaba representado un músico profesional, paralítico, de aspecto muy interesante para el pintor dado que pese a tener 37 años aparentaba muchos más.

El pintor nos muestra en este retrato su formación en el estilo neoclásico usando una composición típica del retrato de gala creando un escenario teatral en el que un violinista ordinario parece convertirse en un personaje de fábula. Hasta el traje del músico ha sido inventado por el pintor. Al fondo en la logia, aparecen dos figuritas que parecen ser personajes de la Comedia del Arte.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Retrato de un filósofo

2008-12-24T15:52:00.005+03:00

L. Popova. “Retrato de un filósofo”. 1915

Esta obra de la artista Liubov Popova es considerada su obra maestra. Evidentemente está sigue los principios del cubismo.

El modelo es Pável S. Popov, el hermano de la autora, muy aficionado a la filosofía, la psicología y la literatura clásica. Pero la imagen del hermano sirve sólo como punto de partida para que la artista cree una imagen esterotipada con una ironia a menudo presente en las obras de la vanguardia rusa.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Borísov-Musátov, Víctor Elpidifórovich (1870-1905)

2008-12-23T13:34:00.002+03:00

Víctor Borísov-Musátov nació en Sarátov en la familia de un empleado de ferrocarriles. De niño sufrió un trauma en la columna vertebral que le dejó jorobado y con un salud muy debilitada, sin embargo estó no le impidió llegar a ser uno de los artistas más importantes de su época.

Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú y en la Academia de Artes de San Petersburgo. En su juventud Borísov-Musátov mostró un gran interés hacia la pintura impresionista, influyendo ésta en su obra temprana ("Flores de Mayo" 1894). El verdadero comienzo de su obra lo marca el cuadro "Autorretrato con hermana" (1898) en el que por primera vez intenta materializar sus sueños sobre un mundo de total armonía.

El deseo de escapar de una realidad incómoda a un mundo ideal basado en las fantasias poéticas del pintor fueron en leitmotiv de su obra. Nos mostraba un mundo de mujeres jóvenes en vestidos antiguos sobre un fondo de haciendas rurales rusas. Sus cuadros nos son una reconstrucción del pasado sino una elegía, un poema, una huida a una época de belleza y armonía ("Gobelino" 1901 o "Estanque" 1902). El colorido y el paisaje decorativo refuerza la tonalidad triste de su obra. La estética refinada, la actitud entre ensimismada e inquieta de las damas retratadas por Borísov-Musátov recuerda a las protagonistas de los lienzos de Maurice Denis.

La obra de Borísov-Musátov fue altamente valorada en tanto en Rusia como fuera de sus fronteras, sin embargo, esto no cambió en nada la actitud del pintor hacía lo que el consideraba una vida miserable. Los últimos meses de ésta los pasó en Tarusa en donde creó sus mejores paisajes ("En el balcón, Tarusa", "Arbusto de avellano" 1905). El cuadro "Réquiem", su canto del cisne es considerada también su mejor obra. El artista fue enterrado a orillas del río Oká en el lugar que el mismo artista indicó poco antes de morir.

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En el desayuno

2008-12-22T23:25:00.004+03:00

S. Serebriakova. “En el desayuno”. 1914

Sinaída Serebriakova se crió en la distinguida familia de artistas Benois-Lanceray.

En esta obra nos muestra a sus hijos a la hora del desayuno. Ellos son Tatiana, la pequeña de grandes ojos y mejillas sonrosadas; Alexánder, mirando al espectador con sus ojos oscuros y al fondo Evgeni, de pelo rubio concentrado en su desayuno. Falta su hija Catalina que por entonces era muy pequeña para estar sentada a la mesa. Los hijos siguieron la tradición familiar. Eugenio fue arquitecto y el resto pintores.

El cuadro nos muestras unos años felices para la artista que acabaron rápida e inesperadamente. En 1924 Serebriakova emigró a París y no volvería a Rusia. Lograría más tarde llevar a París a Alexánder y Catalina, pero los otros dos se quedaron en Rusia.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

El collar de esmeraldas

2008-12-22T00:00:00.003+03:00

V. Borísov-Musátov. “El collar de esmeraldas”. 1903

La obra de Vladímir Borísov-Musátov es uno de las mas destacadas del arte de la frontera de los siglos XIX-XX. En la decada de 1890 el estilo del pintor alcanza su madurez y perfección. Por desgracia dicho periodo sería breve debido a la muerte del pintor en 1905. Borísov-Musátov pertenece a la generación de los simbolistas rusos, se le considera directo inspirador del grupo artístico "La rosa azul" y un reformador de la pintura rusa de la época.

Su obra "El collar de esmeraldas" parecería representar una procesión. Figuras y vegetación parecen fundirse en un mismo ritmo ondulante. El color y las pinceladas aspira a transmitir los sutiles movimientos de las emociones. La obra es una metáfora de la unión de la naturaleza con el alma humana. El mismo autor calificó a esta obra como "pagana".

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Aliónushka

2008-12-21T23:41:00.004+03:00

V. Vasnetsov. “Aliónuska”. 1873

"Aliónushka" está considerada como una de las mejores obras de género fantástico de Víctor Vasnetsov.

En la orilla se sienta una huerfanita triste y solitaria que llora por su hermano Ivánushka, el cual, después de beber agua de una fuente mágica se consirtio en un cabritillo.

El paisaje del cuadro es real, fue pintado en Abramtsevo, la finca de Savva Mamontov cercana a Moscú que fue centro de reunión de numerosos maestros de la época.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de San Petersbugo.

Bagatires

2008-12-20T18:56:00.003+03:00

V. Vasnetsov. “Bagatires”. 1881-1898

Victor Vasnetsov retrata a los bagatires oteando el horizonte a la busqueda del enemigo. El paisaje que les rodea es una imagen sintetizada de la naturaleza rusa con su estepa quemada por el sol, bosques espesos en el fondo y túmulos funerarios.

Los bagatires son Iliá Muromets, poderoso y tranquilo en el centro; Dobrinia Nikítich, impetuoso y audaz a la izquierda y Aliosha Popóvich, astuto y pícaro a la derecha. A la personalidad de los caballeros corresponde la de sus caballos.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov.

Vasnetsov, Víctor Mijaílovich (1848-1926)

2008-12-20T18:06:00.007+03:00

Víctor Vasnetsov nació en la región de Viatka (ahora Kírov) y allí mismo se educó en un monasterio. En 1868 ingresó en la Academia de Artes de San Petersburgo en donde conoció a Repin y el grupo de Los Itinerantes. Seguramente influido por estos, sus primeros trabajos están enfocados desde la denuncia social ("Mudándose de casa" 1876).

En 1878 se trasladó a Moscú. Es aquí donde el autor da comienzo a una nueva etapa en la que se interesa por la cultura e historia de Rusia. El primer lienzo que realizó de esta temática fue "Después de la batalla entre Igor Sviatoslávich y los Pólovets" (1880) basado en una antigua obra épica: "El cantar de las huestes de Ígor". Este nuevo lenguaje pictorico mostró el destacado e indiscutible talento del joven Vasnetsov. Después realizó un ciclo de obras inspirado en personajes de cuentos ("Aliónushka" 1881 o "Las tres reinas del reino subterraneo" 1879). Su obra cumbre, "Los bagatires" (1881-1898), es un canto a los grandes defensores de la patria.

Vasnetsov trabajó con gran interés y dedicación en el diseño de los vestidos tradicionales para los decorados de la ópera de Rimski-Kórsakov "Blancanieves". Junto a esto, trabajó ilustrando las obras de Pushkin y Lérmontov.

Otra faceta de su trabajo: la decoración de la Catedral de San Valdímir en Kíev, en donde trabajó en el diseño de los mosaicos. También realizó la decoración de otras iglesias en diferentes ciudades, de la fachada del la Galería Tetriakov y del pabellón de Rusia en la exposición de París de 1900.

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La última cena

2008-12-17T15:08:00.003+03:00

N. Gue. “La última cena”. 1861

"Uno de vosotros me va a entregar". Nikolai Gue refleja en su obra el momento en que Jesucristo pronunció estas palabras durante la Última Cena. El fuerte contraste luminoso acompaña la conmoción de los personajes. Gue hace uso de las técnicas tenebristas para reforzar el efectismo de la escena. A las figuras iluminadas de Jesús y los apostoles se contrapone la oscuridad de Judas.

Según explicó el mismo autor, él quisó expresar en esta obra el pesar de Jesucristo por la perdida de un discípulo y ser humano.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Cazadores en un descanso

2008-12-17T14:51:00.004+03:00

V. Perov. “Cazadores en un descanso”. 1871

A pincipios de la década de 1880 Vasili Perov decide acercarse a las tendencias artísticas de su tiempo y se aleja de los motivos críticos que practicó en la decada de 1860. Así, concentra su atención en temas cotidianos que representan las labores y pequeñas alegrías de la gente ordinaria.

A esta época pertenece obra, una de las más conocidas del autor. Un veterano cazador relata vehementemente alguna anécdota a sus compañeros de caza. El cochero, que está recostado adopta una pose de incredulidad mientras el joven, de rodillas, expresa asombro y credulidad.

Perov fue un apasionado cazador pero esta obra la enfrentó con bastante frialdad destacando más que los personajes la naturaleza muerta que los acompaña. la factura de las presas muertas o los diferentes objetos está muy lograda.

Esta obra se puede contemplar en el Museo Ruso de San Petersburgo y en la Galería Tetriakov de Moscú.

Puente de piedra en Gátchina

2008-12-16T13:45:00.003+03:00

S. Schedrín. “Puente de piedra en Gátchina”. 1799-1801

Semión Schedrín fue el primer paisajista ruso salido de la Academia de Artes de San Petersburgo y el primer académico de paisajes que hubo en esta. Después de terminar sus estudios en la Academia Schiedrín viajó y perfecciono su arte en Francia e Italia. Al regresar a Rusia le fue asignado pintar vistas de los palacios y parques de la zarina Catalina la Grande. Su talento se perfecciona pintando vistas de las residencias reales de Pávlosk, Gátchina y Petergof. En dichas vistas se estaba formando el concepto de "jardín inglés" o "paisajístico"

En este lienzo pintado por encargo de Pablo I para el castillo Mijaílovski se puede apreciar un rincon de un de los jardínes del denominado de estilo "inglés" o "paisajistico", preponderante en la época y determinante en la formación de la corriente estética dominante en la frontera entre los siglos XVIII y XIX: el sentimentalismo. El motivo del cuadro encarna la armonía ideal entre el hombre y la naturaleza.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Celebración del compromiso matrimonial

2008-12-13T14:23:00.004+03:00

M. Shibánov. “Celebración del compromiso matrimonial”. 1777

A lo largo del s. XVIII la pintura de género costumbrista tuvo un papel secundario. La representación de una realidad "baja y vulgar" se consideraba inapropiada para los pinceles de un artista. Desligándose de la estética academicista dominante en la época Mijail Shibánov fue el primero de los pintores rusos en dirigirse a temas de la vida campesina.

La vida de Shibánov es en su mayor parte un misterio para los historiadores del arte. Se conjetura que fue alumno de Dimitri Levitski.

En esta obra el autor se revela como un maestro del retrato, profundizando en la psicología de los rostros de los protagonistas. Shibánov muestra un gran afecto y respeto por los personajes. La representación de los vestidos es etnográficamente correcta, correspondiendo a las ropas de fiesta campesinas propias de la región de Súzdal.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de Maria Lopujiná

2008-12-13T13:36:00.003+03:00

V. Borovikovski. “Retrato de Maria Lopujiná”. 1797

Para el que escribe este es uno de los más bellos retratos femeninos del arte ruso.

Vladímir Borovikovski emplea los métodos tradicionales del retrato para presentarnos al personaje pero el autor no hace nada para mostrarnos el estatus de la retratada sino que se centra más en su personalidad. La principal idea en el retrato es la unión de la persona con la naturaleza carácteristica de la estética de finales del s. XVIII a lo que se suma la influencia del sentimentalismo imperante en la época.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Venetsiánov, Alexei Gavrílovich (1780-1847)

2008-12-12T14:44:00.004+03:00

Venetsiánov se formó a si mismo como pintor copiando lienzos de grandes maestros en el Ermitage. Vivió durante algún tiempo en casa del eminente retratista V. L. Borovikovski como alumno. El éxito le llegó en poco tiempo: en 1811 el consejo de la Academia de Arte le nombró académico por su obras "Autorretrato" y "Retrato de K. Golovachesvko con tres alumnos".

En 1819 el artista junto a su familia se trasladó a su finca en la aldea de Safanskovo, en la región del Tver, dedicándose totalmente a la pintura. Venetsianov experimentó la vida campesina directamente y comenzó a pintar poéticas escenas de la vida y las labores del campo, imágenes de los campesinos rusos en la naturaleza rusa ("Granero" 1821-23, "En el campo. Primavera" 1820s). El artista elaboró una amplia galería de tipos campesinos pintados del natural ("Campesina con acinos" 1820s). Venetsianov desarrolló un estilo único, combinando el Academicismo con elementos del Romanticismo y una cierta idealización de la vida campesina.

Venetsianov fue además un excelente pedagogo y gran parte de su vida la dedicó a la enseñanza. Alrededor suyo se reunió un grupo de jovenes pintores procedentes de clases humildes con los que trabajaba pintando del natural. Se ha denominado a este grupo la "Escuela Venetsianov" y de ésta salieron muchos e importantes artistas.

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Guitarrista

2008-12-11T17:15:00.003+03:00

V. Tropinin. “Guitarrista”. 1823

En la primera mitad del s. XIX se popularizó la guitarra en las casas moscovitas en donde en pequeñas reuniones se cantaban romanzas populares con este instrumento.

Vasili Tropinin retrata al guitarrista, un tal V. I. Morkov, en bata, de manera intima y no sin un cierto sentimentalismo típico del autor.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Granero

2008-12-10T17:41:00.003+03:00

A. Venetsianov. “Granero”. 1821-23

Contemplando este cuadro de Alexéi Ventsianov viajamos en el tiempo y nos introducimos en el interior de un granero de principios del s. XIX con los campesinos ocupados en sus tareas cotidianas.

Venetsianov se inspiró en un cuadro del Ermitage, "Vista del interior de un convento capuchino en Roma" de Francisco Granie (¿?). Ésta le hizo comprender la importancia de la perspectiva en la representación de la naturaleza. Con gran escrupulosidad el pintor une las líneas que forman troncos y vigas en un mismo punto y dispone las figuras en una escala decreciente para subrayar la profundidad del espacio. Como dato curioso resaltar que el pintor ordeno aserrar una pared de un granero de su finca para poder pintar la iluminación con mayor exactitud.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

El principe Dimitri asesinado

2008-12-06T14:36:00.002+03:00

M. Nésterov. “El principe Dimitri asesinado”. 1899

Este cuadro de Mijail Nésterov está inspirado en un episodio trágico y misterioso del s. XVI. El 15 de mayo de 1591, en pleno día, murió en circunstancias misteriosas el hijo del zar Iván el Terrible, el principe Dimitri, con 7 años de edad. El misterio de su muerte no ha sido esclarecido. Se especula con que tuvo alguna relación con el hecho Borís Godúnov, hermano de la esposa del zar Teodoro, también hijo de Iván el Terrible. Éste, ambicionando el poder, estaría interesado en la eliminación del heredero. Fue esta teoría la que usaría Pushkin para su drama "Borís Godúnov".

Respecto al cuadro en sí, el niño parece ser representado como un santo, con la corona y el nimbo en la cabeza, la sonrisa beatífica y las manos cruzadas en el pecho. En el cielo, dentro de un arcoiris, Jesucristo bendice al niño. Al fondo, en el paisaje, se levantan los templos ortodoxos.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Hacia la toma del velo

2008-12-06T14:26:00.004+03:00

M. Nésterov. “Hacia la toma del velo”. 1898

Una mañana de primavera. Una senda en medio del bosque que se dirije a una ermita. Una procesión avanza. Dos monjas flanquean a una novicia preparada para tomar el velo. El autor, Mijail Nésterov, no muestra alegria en los rostros de los personajes sino tristeza en sus cabezas gachas. Las estilizadas figuras femeninas parecen frágiles e incorporeas. Los finos abedules y el colorido del cuadro parecen reforzar esta sensación onírica.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Retrato de Vladímir Stásov

2008-12-05T12:29:00.004+03:00

I. Repin. “Retrato de Vladímir Stásov”. 1883

En este retrato Iliá Repin nos presenta al conocido crítico de arte Vladímir Stásov, una de las figuras más importantes de la cultura rusa de mediados del XIX. Descubridor de númerosos talentos y uno de los principales apoyos de los Itinerantes, es considerado por algunos el más grande crítico de arte ruso de todos los tiempos. Stásov consideraba que el arte ruso debía dejar de copiar las corrientes europeas, lo cual siempre lo mantendría en un segundo plano, y encontrar su propio camino, desarrollar un arte propio equiparable en calidad y originalidad a los estándares europeos.

Según cuenta el mismo Repin con motivo de unos días de fiesta todos los museos estaban cerrados y los dos personajes se encontratron con poco o nada que hacer. Aprovechando esta circunstancia, y que Repin hacia tiempo que quería retratar a Stásov, se elaboró este retrato. El pintor alabó la paciencia del modelo que durante dos días posó en sesiones de cinco o más horas.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Persona con una mano enferma

2008-12-05T12:05:00.004+03:00

V. Súrikov. “Persona con una mano enferma”. 1913

El personaje es una excepción en lo modelos tratados por Vasili Súrikov tan llenos de salud. Esta cuadro habla de la enfermedad, la muerte, la debilidad... temas muy difundidos en el arte de la segunda mitad del XIX. Súrikov enfrenta el tema con sobriedad y sin sentimentalismo. Un contemporáneo de Súrikov veía cierta influencia de Cezanne en esta obra.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Fórmula de la primavera

2008-12-03T12:34:00.005+03:00

P. Filónov. “Fórmula de la primavera”. 1920

Podemos considerar a Pável Filónov como uno de los fundadores del arte abstracto. Filónov usó varías veces la palabra "fórmula" para tilular sus obras. La noción de primavera nos trae las ideas de crecimiento, movimiento y despertar de la naturaleza.

La composición del cuadro se forma en base a "átomos pictóricos", de celulas de pintura viva, parece que al autor quisiera contemplar su obra desde el interior de la misma. Filónov exhortaba a sus alumnos a pintar con afán y precisión cada átomo de color para que se compenetrara orgánicamente con la totalidad del cuadro del mismo modo que una célula forma parte de un organismo.

Filónov llamaría a su arte "analítico" y el principio de este era que el pintor debía dedicar a su obra el máximo de sus esfuerzos, así, el maestro trabajaba sobre grandes lienzos con pinceles muy finos, empezando por un lado y pasando poco a poco hacía el opuesto. Cada pincelada era una "unidad de acción" que debía interactuar con el conjunto de forma y color de la obra.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Fábrica

2008-12-02T01:21:00.002+03:00

N. Goncharova. “Fábrica”. 1912

A comienzos de la década de 1910 Natalia Goncharova asimiló las ideas de los futuristas italianos. El mismo motivo de esta obra viene determinado por la influencia de esta corriente. Los futuristas italianos dieron la bienvenida a la época de las máquinas y buscaron métodos para transmitir la velocidad en sus cuadros representando aeroplanos, trenes, bicicletas, etc. Sin embrago en esta obra Goncharova no se centra tanto en el movimiento mismo de los objetos si bien es cierto que la pintora usa algunos de los métodos futuristas, como las repeticiones y el desplazamiento de los contornos de la figura. Junto con los fuertes contrastes de colores la obra parece querer transmitir más bien el grave sonido de la sirena de la fábrica.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Shipka-Sheinovo

2008-11-30T21:26:00.002+03:00

V. Vereshaguin. “Shipka-Sheinovo”. 1878-79

A principios 1877 con el estallido de la Guerra Ruso-Turca Vasili Vereshaguin fue destinado al teatro de operaciones en los Balcanes. El momento que nos muestra el autor es el desfile del ejercito después de la decisiva batalla de Shipka, un paso de montaña en los Balcanes que fue defendido por rusos y búlgaros durante medio año.

Sin embargo, la atención del pintor no se centra en los militares victoriosos sino en los soldados muertos, el precio de la victoria. Respetando al soldado ruso y sus mandos Vereshaguin quiso ante todo transmitir la tragedia que conlleva cualquier guerra.

Él mismo dijo: "Delante de mi, como pintor, está la guerra y la combatiré mientras tenga fuerzas".

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriekov de Moscú.

Vereshaguin, Vasili Vasílievich (1842-1904)

2008-11-30T20:12:00.005+03:00

Procedente de una antigua familia noble estudió en la cuerpo de marina de San Petersbugo. Al finalizar sus estudios renunció a seguir la carrera de oficial de marina para ingresar, contra la voluntad de su padre, en la Academia de Artes. En 1863 abandonó la Academia y viajó al Caúcaso, para aprender, según sus propias palabras, en la libertad de sus amplios espacios y motivos. Allí completó una enorme colección de dibujos e imágenes de tipos locales, costumbres y paisajes de la zona. De allí el pintor viajo a París, volvió de nuevo al Caúcaso y después partió hacia oriente, al Turquestán, en donde había estallado la guerra.

Se puede calificar a Vereshaguin como el primer "pintor-corresponsal" que se atrevió a mostrar la verdad de la guerra: el horror y la muerte ("Serie del Turquestán" 1871-1873 y "Serie de los Balcanes" 1878-1881). Su mirada de las operaciones militares se distinguió hasta tal punto de lo acostumbrado que el artista fue acusado de antipatriota y difamador del ejercito ruso por su obra, calificada de cruel. Pese a esto Vereshaguin siguió ejerciendo su dura denuncia de la guerra ("Apoteosis de la Guerra" 1871). El caracter antimilitarista de la obra del maestro fue resultado de una profunda reflexión y de su experiencia vital. La dura realidad que introdujo en la pintura de guerra era una realidad desconocida hasta entonces en el arte ruso.

En sus numerosos viajes el artista realizó varias series de paisajes en los que acercó una belleza nunca vista hasta entonces de paisajes, gentes y costumbres procedentes de lejanos países ("Serie de la India" 1874-1876). En el periodo de 1887-1904 Vereshaguin trabajaría en un ciclo de obras de temática histórica: "1812. Napoleón en Rusia", concebida ésta como una epopeya monumental sobre la guerra del pueblo contra el francés. Sin embargo el artista no pudo completar su proyecto, interrumpido por el estallido de la Guerra Ruso-Japonesa. El artista murió en el frente, en la explosión del acorozado Petropavlosk el 31 de marzo de 1904.

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Retrato de una desconocida

2008-11-29T22:36:00.004+03:00

I. Kramskoi. “Retrato de una desconocida”. 1883

Es muy probable que la desconocida retratada por Iván Kramskoi este inspirada en un personaje literario. Tradicionalemente se ha visto en ella a Anna Karénina o a Nastasia Filípovna de la novela "El idiota" de Dostoyevski, la cual aparecía descrita en los siguientes términos: "los ojos oscuros, profundos, la frente pensativa, la expresión de la cara apasionada y un poco soberbia". Otra teoría apunta a una de las damas de la clase alta de San Petersburgo.

Los expertos opinan ahora que la desconocida no es un personaje concreto sino una "imagen colectiva", un prototipo de señora joven, hermosa y elegante de la ciudad. Al fondo se adivina el perfil del palacio Anichkov, lo que nos permite situar la acción. El punto de vista de abajo a arriba refuerza la mirada altiva de la mujer.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de una desconocida en un vestido popular ruso

2008-11-29T12:04:00.003+03:00

I. Argúnov. “Retrato de una desconocida en un vestido popular ruso”. 1784

Iván Argúnov fue siervo de los condes de Shereméteiev y sin recibir ninguna formación artística sistemática llegó a ser uno de los pintores más importantes de su época. Además de su obra, educó a muchos futuros artistas entre los que destacaría A. Losenko, el futuro director de la Academia de Bellas Artes.

El retrato de esta desconocida está hecho siguiendo los cánones del clasicismo: equilibrio y estabilidad en la composición, líneas suaves, colorido suave... A finales del s. XVIII empezó a crecer el interés por los temas populares, interés paralelo a un aúge del sentimentalismo y de una idealización de la figura del campesino que lleva una vida sencilla en el seno de la naturaleza.

La retratada lleva un "kokóshnik" en la cabeza y un "sarafán". La obra reproduce exáctamente la vestimenta de gala de una campesina de la zona de Moscú.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Altman, Natán Isaievich (1889-1970)

2008-11-26T11:02:00.006+03:00

Nacido en Vinnitsa (Ucrania) en la familia de un comerciante. En 1902 ingresó al mismo tiempo en dos secciones de la Escuela de Arte de Odesa: pintura y escultura; sin embargo abandonó los estudios para volver a su lugar de nacimiento, en donde empezó a trabajar por su cuenta.

En 1919 Altman viajó a París para continuar con su aprendizaje. Su extraordinario talento le permitió asimilar e interactuar con todas las nuevas ideas que recibió. En 1912 el artista llega a San Petersburgo en donde se convierte en uno de los referentes de la vanguardia gracias a las ideas traidas del cubismo francés. El retrato que realizó de la poetisa Ana Ajmátova causó sensación cuando fue expuesto en 1915. El crítico L. Bruni lo definió como un "hito en el arte". Similares éxitos experimentó Altman en la escultura (Autorretrato, 1916), artes gráficas (el ciclo de gráfica judia de 1914) y escenografía (la obra de M. Maeterlinck "El milagro de San Antonio").

En 1921 se trasladó a Moscú y por orden de A. Lunacharski fue nombrado director del departamento de Artes Visuales del Narkompros. En la capital trabajó en el GOSET (Teatro Hebreo Estatal de Moscú, bajo la dirección de A. Granovski y S. Mijóels). En 1928 el teatro realizó una larga gira por europa. Al terminar la gira Altman se quedó en París por 7 años. La capital de Francia le depsertó el interés por nuevos temas, paisajes y bodegones en los que vuelve a la tradición impresionista.

En 1935 vuelve a Moscú para dedicarse a la ilustración de libros. Entre diferentes trabajos destacan las ilustraciones para "Los cuentos de San Petersburgo" de N. Gogol (1937). Trabajó en los decorados del Teatro de Leningrado, ciudad a la que volvión en 1936. Con el espectáculo del BDT, El Rey Lear, empezó su larga y fructífera colaboración con el director G. Kósintsev trabajando con obras de Shakespeare.

Con la llegada de la guerra Altman fue evacuado de Leningrado a Perm y Novosibirsk. En sus últimos años de la guerra Altman siguió dedicándose a la gráfica de libros y la escenografía. En 1948 realizó las ilustraciones para la obra de Sholem-Aleijem, trabajó con Kósnitsev en el Teatro Dramático A. Pushkin dando forma a Hamlet, también en 1955 colaboró con éste y E. Shvarts en la película "Don Quijote".

En 1969 tuvo lugar una gran exposición retrospectiva de Altman, poco antes de su muerte.

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Gólgota

2008-11-25T14:02:00.003+03:00

N. Gue. “Gólgota”. 1892

Toda la atención en esta obra se concentra en el sufrimiento de Cristo. Los elementos narrativos han sido excluidos y la imagen ha adquirido carácter simbólico: el dedo indice acusador, la figura de Cristo rodeado por los dos ladrones que adoptan expresiones antagónicas, uno con un rictus de animal dominado por el pánico y otro con una expresión de triste mansedumbre. Detrás de ellos el caos y lo informe.

El autor parecía querer mostrarnos que el lugar que el sistema destinaba a aquellos que buscaban la verdad era el cadalso, entre marginados, locos y criminales.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Gue, Nikolai Nikolaiévich (1831-1894)

2008-11-25T13:15:00.008+03:00

Nikolai Gue nació en Voronezh en una familia descendiente de un noble francés emigrado a Rusia a raíz de la Revolución Francesa. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. Al terminar ésta recibió una beca para viajar al extranjero, visitando Alemania, Francia e Italia.

En 1863 volvió a San Petersburgo con su cuadro "La última cena". Pese a su clara ruptura con los cánones académicos el éxito de la obra fue tal que la Academia nombró a Gue profesor de pintura histórica y de retrato. Su siguiente éxito fue la obra "Pedro I interroga a su hijo el zarevich Alexei en Peterhof" (1871) que destacaba por la veracidad en la presentación de la situación, los personajes y el escenario. Desde 1870 fue miembro y uno de los organizadores del grupo de los Itinerantes.

Los últimos 15 años de su vida se dedicó exclusivamente a temas bíblicos enfocándolos desde la eterna lucha entre el Bien y el Mal en donde invariablemente triunfa el Mal. El destino de estas obras fue dramático: fue prohibida su exposición y censuradas por la Iglesia. Su última obra, "Gólgota" (1892), quedo sin terminar. El público tan sólo pudo descrubrirla despues de la muerte del pintor. Un lienzo increible que sorprende hasta hoy sorprende por su calida emotividad y valiente desesperación.

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El serafín de seis alas

2008-11-23T20:46:00.003+03:00

M. Vrúbel. “El serafín de seis alas”. 1904

En el Antiguo Testamento el profeta Isaías nos narra su visión del trono de Dios rodeado de serafines, aquellos que ocupan el más alto lugar en la jerarquía de los ángeles. Uno de ellos voló hacia Isaías, llevando en su mano un carbón candente y al acercarse a Isaías tocó su boca diciendo: “He aquí que esto ha tocado tus labios; tu culpa ha sido quitada, y tu pecado ha sido perdonado”. De esta manera Isaías fue liberado del pecado y preparado para ser profeta.

Una serpiente rodea la mano derecha del serafín que porta una espada. En la mano izquierda lleva un incensario con el carbón encendido. Por estos atributos la crítica deduce que Mijail Vrúbel se inspiró en el poema de Pushkin "El profeta" para la realización de este cuadro.

La ejecución de la obra parece recordar un mosaico bizantino o de la antigua Rus, tradiciones que el maestro conoció restaurando antiguos frescos en Kiev.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

El esquilado de los corderos

2008-11-23T20:30:00.004+03:00

P. Kusnetsov. “El esquilado de los corderos”. ¿?

A comienzos del s. XX muchos artistas escaparon de la deshumanización y caos de la civilización europea a lugares donde el ser humano todavía conservaba una relación íntima con la naturaleza. Las estepas de Kirguistán se convirtieron para Pável Kusnetsov en esa tierra de promisión a la manera que Tahití lo fue para Gauguin.

En el cuadro las hieráticas mujeres kirguisas esquilan a los corderos al igual que lo podrían haber estado haciendo hace mil años. Se representa una escena intemporal en un mundo que transmite paz y eternidad a la manera de una escena bíblica.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Los grajos han vuelto

2008-11-21T10:46:00.003+03:00

A. Savrásov. “Los grajos han vuelto”. 1871

En el año 1863 se produjo uno de los acontecimientos más siginficativos en la historia del arte ruso: "la rebelión de los 14 concursantes", llamada así por los 14 pintores que tras graduarse en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo se negaron a realizar sus trabajos de fin de carrera según los temas clásicos propuestos (esto es, siguiendo la línea del clasicismo: mitología, religión...) y rompieron con el arte oficial para abogar por un arte independiente de los poderes públicos.

Los pintores, entre los cuales estaban Krasmkói, Gue y Perov, fundaron las bases de una asociación que respondía a sus aspiraciones democráticas: La Asociación de Exposiciones Pictóricas Itinerantes, más conocida como los Itinerantes. Los principios de esta asociación, entre los cuales estaban la mirada a las realidad que les rodeaba, se manifestaron en todos los géneros que trabajaron.

Esta obra de Alexéi Savrásov fue el primer paisaje expuesto en una exposición itinerante en 1871. La primevera llega al campo ruso y los pájaros vuelven con ella. Poco más se puede decir salvo lo mismo que dijo el discípulo de Savrásov, Isaac Levitán: "¡Qué sencillo!".

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Retrato de S. I. Mámontov

2008-11-18T20:57:00.005+03:00

M. Vrúbel. “Retrato de S. I. Mamontov”. 1897

Una nueva fase en la obra de Mijail Vrúbel comenzó cuando le presentaron al industrial y mecenas Savva Mámontov. El artista se incorporá al así llamado "Círculo de Abrámtsevo". Abramtsevo era un lugar en los alrededores de Moscú en donde Mámontov tenía una hacienda en la que trabajaron otros artistas como Repin, Polénov, Vasnetsov, Korovin, Serov o Nésterov.

Este retrato marca el cénit de la obra de Vrúbel. Por su apariencia del personaje aparece majestuoso pero la falta de precisión de las pinceladas rompe el esquema de lo que sería un retrato de gala.

Vrúbel parece actuar como profeta con este cuadro. Su atmósfera afectada, casi trágica, presagia una futura crisis en la vida de Mámontov. Aunque afortunado, rico y poderoso durante toda su vida acabaría arruinado y deshonrado después de ser acusado de malversación de fondos públicos.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Breve historia de la pintura rusa. Edad Media.

2008-11-17T12:03:00.000+03:00

A fin de poder contextualizar mejor la información presentada en el blog he pensado que sería interesante traducir esta breve historía de la pintura rusa esperando que os sea de utilidad.

Con la adopción del cristianismo en la Rus medieval aparecieron nuevos tipos de pintura monumental (mosaicos y frescos) y además la pintura de los iconos. La difusión de la escritura dió comienzo también a otro tipo de pintura: las miniaturas.

Las primeras muestras de pintura monumental aparecieron en la Rus de Kiev. Un ejemplo de la habil unión del mosaico y el fresco para transmitir la idea de la grandeza de la ortodoxia se puede contemplar en el complejo de la catedral de Santa Sofía en Kiev.

Uno de las primeras escuelas de pintura fueron fundadas en los principados de Vladímir-Súzdal y Nóvgorod. Uno de los más tempranos de los grandes iconos medievales es la Virgen del Amor Divino (Боголюбской Богоматери). Las primeras representaciones de las figuras de apóstoles y evangelistas en miniaturas aparecen a principios del s. XI.

La segunda mitad del s. XIV y los comienzos del s. XV son conocidos como el Siglo de Oro de la pintura mural. Destacan en la pintura de iconos los maestros Teófanes el Griego y Andréi Rubliov.

Teófanes el Griego se caracteriza por su original técnica y la unión de emoción y expresividad con la penetración en el mundo interior de la persona, que encuentra su expresión en la Iglesia del Salvador en Ilin (Novgorod).

La obra más conocida de Andréi Rubliov es el Icono de La Trinidad, en el que aparece una idea de humanitarismo y tranquilidad trasnmitiendo una idea generalizada de perfección moral. Según el especialista V. N. Lasarev en el arte de Andrei Rubliov se llegó al fin del aislamiento de la pintura rusa y bizantina. Tradujo los colores de la naturaleza rusa al lenguaje elevado del arte, uniéndolos impecablemente al igual que un compositor combina las notas musicales. En el Monasterio de Andrónico se pueden contemplar las obras más representativas de Rubliov.

Los primeros retratos aparecen a comienzos del s. XVII en las obras llamadas "Parsunas" realizadas con la técnica de pintura de iconos sobre tabla. Retratos como los de los zares Alexéi Mijaílovich (finales de los 70 principios de los 80) o Fiódor Alexéievich (1686) muestran un gran realismo.

Más información de interés: http://www.orthodoxworld.ru/es/index.htm

León Tolstói descalzo

2008-11-16T22:14:00.004+03:00

I. Repin. “León Tolstói descalzo”. 1901

En el verano de 1891 Iliá Repin fue invitado como huesped a la finca de León Tolstói en Yasnaya Polyana, en las afueras de la ciudad de Tula. El cuadro esta basado en un pequeño estudio que el autor realizó durante esta estancia y que se convertiría en cuadro 10 años más tarde.

Según palabras del mismo Repin la parte del bosque que se adivina en el retrato era la favorita del escritor. El escritor, que vestía a la manera de los campesinos y andaba descalzo como ellos, aparece en este retrato con la camisa de lienzo blanca que acabaría recibiendo su nombre: "Tolstovka". Fue la misma duquesa Sofia Tolstaya quien la cosió para su marido.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

La resurrección de la hija de Jairo

2008-11-16T21:59:00.005+03:00

I. Repin. “La resurrección de la hija de Jairo”. 1871

En 1871 se propuso como tema de fin de carrera a los estudiantes de la Academia de Bellas Artes de S. Petersburgo un tema evangélico: la resurrección de la hija predilecta del jefe de una sinagoga por Jesús.

En su trabajo de fin de carrera Iliá Repin muestra el momento culminante de la acción. Mientras este coge de su mano a la difunta el viejo Jairo esta a la derecha, en la penumbra, rodeado de sus familiares.

Por este cuadro el artista recibió la Medalla de Oro. La elección del tema era cercana a Repin ya que cuando tenía 13 años perdió a su hermana mayor Ustiá.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Breve historia de la pintura rusa. Clasicismo y Romanticismo.

2008-11-16T13:51:00.000+03:00

Los primeros retratos al oleo sobre tela fueron realizados a finales del s. XVII. La pintura rusa de este periodo ejerció una fuerte influencia en el amanecer del arte figurativo de Ucrania, Bielorrusia y los países cristianos de los Balcanes y el Caúcaso.

El comienzo del s. XVIII en Rusia está marcado por las reformas del zar Pedro el Grande. Entre estas reformas el zar Pedro construyé una nueva capital para el país: San Petersburgo, "una ventana a Europa" en palabras del poeta Pushkin. El acercamiento a Europa también se produce en las artes plásticas inciándose una nueva etapa caracterizada por la secularización del arte.

En esta época hace su aparición además un nuevo tipo de arte figurativo laico: el grabado que se convertiría en elemento imprescindible en la literatura científica, periódicos o calendarios. Por la misma época aparecen también los grabados populares conocidos como "lubok".

Durante este periodo histórico el retrato se convierte en el principal género impulsor del arte figurativo. Entre no pocos grandes artistas-retratistas de la época del zar Pedro podemos destacar las figuras de Nikitin, Matiéyev, Borovikovski o Rókotov.

I. N. Nikitin comenzó su formación artística en la Armería del Kremlin y la continuó en Italia. Sus retratos se caracterizan por su realismo y por su interés por el mundo interior de las personas (Pedro I en su lecho de muerte). La obra más conocida de A. M. Matiéyev es el autorretrato con su esposa que nos transmite el pudor y la intimidad en la relación de la pareja.

Los retratos de V. L. Borovikovski se caracterizan a le vez por su sentimentalismo y la unión de finura y delicadeza junto con una transmisión creible del carácter del retratado (Retrato de M. I. Lopujina). Los retratos de S. F. Rókotov se distinguen por su finura y complejidad anímica a la vez que por sus formas sencillas y poéticas (Retrato de A. P. Struískaya). En los retratos de D. G. Levitski se siente la fuerza vivificante de la naciente Ilustración (Retrato de Diderot).

Junto con el desarrollo de las obras de éstos y otros artistas se comienzan a sistematizar los diferentes géneros del arte figurativo en Rusia (retrato, paisaje, decoración teatral y género histórico).

En el 1757, bajo el reinado de Elisabeta Petrovna se funda la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo a la que se vincula principalmente el desarrollo del género histórico.

El primer pintor del género histórico ruso fue A. P. Losenko. Uno de sus cuadros más famosos, Vladimir y Rogneda, destaca por dirigirse a un motivo inspirado en la historia nacional.

Uno de los más claros representantes de la época de transición del Clasicismo al Romanticismo fue el gran retratista O. A. Kiprenski, el cual plasmó una nueva visión del personaje como un individuo con su libertad interior. Su retrato más famoso es el del escritor A. S. Pushkin.

Siendo representante del Clasicismo K. P. Briulov bebió también del Romanticismo en cuadros como "Los últimos días de Pompeya". También se mostró como un brillante maestro en el retrato (Autorretrato, Amazona).

Ver también:

La pintura en la época de Pedro El Grande.

Serebriakova, Sinaída Evgenievna (1884-1967)

2008-11-15T19:12:00.008+03:00

Sinaída Serebriakova nació dentro de toda una familia de artistas: los Benois- Lanceray

Sus años de formación artistica no fueron continuados: en 1901 estudió algunos meses en la escuela de arte de I. E. Repin y también en el taller de O. E. Braz. En 1909 empezó a exponer sus obras. El éxito y reconocimiento público le llegó con el autorretrato "En el tocador" (1909), expuesto por primera vez en la exposición de la"Unión de Artistas Rusos" en 1910. Después vendrían "La bañista" (1911), el retrato de su madre Ekaterina Lanceray (1912) y "Niños" (1912). Sin embargo, el retrato no fue el género dominante en la obra de Serebriakova.

El amanecer de la obra de Serebriakova llega entre los años 1914-1917, periodo en el que crea uan serie de cuadros dedicados al mundo rural ruso ("Campesina" en 1914 o "El blanqueo del paño" en 1917). En 1917 entra a formar parte de la asociación "Mundo del Arte". En 1916 se le encargó a su tio, A. Benois, la elaboración de un mural para la decoración de la Estación de Kazán en Moscú y el artista invitó a colaborar a Serebriakova. Ella se ocupó del tema del Este del país en forma de alegorias femeninas. En 1920 se tralada a San Petersburgo. Su hija Tatiana ingresa en el ballet y el mundo del teatro aparece en la obra de la artista.

En 1924 Serebriakova se traslada a París para cumplir con un encargo de un gran mural, pero tras acabar este trabajo no volvió a Rusia quedandose en Francia sin su madre e hijos. Su obra en el exilio da testimonio del constante amor a los temas patrios. Viajo mucho, pasando temporadas en Marruecos y Argelia. De sus trabajos africanos destacan obras como "Alumbrada por el sol" (1928).

En 1966 tuvo lugar en Leningrado y Kiev una exposición retrospectiva de la obra de Serebriakova aunque ella misma no pudo volver a su patria para presenciarlo.

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El refectorio en el monasterio

2008-11-15T18:38:00.004+03:00

V. Perov. “El refectorio en el monasterio”. 1865-76

Este cuadro obra de Vasili Perov es uno de los mejores ejemplos del realismo crítico de las décadas de 1860 y 1870.

El autor agudiza en los personajes los rasgos negativos ya que el obejtivo de la obra era fustigar al clero que había olvidado las enseñanzas de Cristo. El autor refuerza el mensaje con los contrastes entre los iconos, crucifijos, los monjes hinchándose a comer, una mendiga, una mujer rica...

Los pintores del realismo crítico prestaron menos atención a la técnica pictórica, un buen ejemplo es este cuadro escaso y seco en su colorido.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

Breve historia de la pintura rusa. Realismo.

2008-11-15T11:17:00.000+03:00

En la consolidación de los principios del realismo en el arte ruso jugó un papel crucial la apertura en 1832 la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo, que se convirtió en el centro de la vida artística del país.

El fundador del realismo crítico en la pintura rusa fue P. A. Fedótov ("El compromiso matrimonial del mayor"). Él fue el que señaló el camino que marcó la posterior evolución del arte ruso.

En la segunda mitad del S. XIX entré Moscú y San Petersburgo se formaron los conceptos e ideas que marcarían el destino del arte ruso. El crítico Vladímir Stásov exhortaba a los pintores a buscar en la vida cotidiana que les rodeaba los motivos para sus obras. El academicismo es sustituido por el realismo, que no sólo debía reproducir con veracidad episodios de esa vida cotidiana sino a posicionarse antes estos.

La Asociación de Exposiciones Artísticas Itinerantes (conocidos simplemente como "los Itinerantes") se constituyó en 1870. El programa de los Itinerantes determinó una orientación artística hacia el civismo y la conciencia social en el arte y un interés por el mundo interior de la persona. Los pintores llevaban sus exposiciones por toda Rusia con el fin de ilustrar al pueblo(de ahí la denominación de "Itinerantes"). Inspiradores inmediatos de este movimiento fueron I. N. Kramskoi y el crítico musical V. V. Stásov. Algunos de los principales representantes de esta tendencia fueron: I. N. Kramskoi, I. I. Levitán, I. E. Repin, A. K. Savrásov o V. I. Súrikov.

Kramskoi consolidó los principios democráticos y realistas en el arte. Destaca en su obra la profundidad social y la psicológica, perceptible ésta en sus retratos de eminentes personalidades de la cultura rusa (L. N. Tolstói o N. A. Niekrásov). La temática de la obra de Kramskoi estaba unida a los problemas éticos y filosóficos de la vida (Cristo en el desierto, Pena inconsolable).

Levitán es el fundador del paisaje psicológico que trasmite toda una variedad de asociaciones poéticas en cuadros como "Marzo", "Lago.Rus" o "Otoño Dorado". El artista se destacó por su apertura a los diferentes estados de la naturaleza y los fines matices de su pintura.

Repin, el insuperable maestro de la pintura rusa, mostró en sus cuadros la potente fuerza del pueblo y la belleza de su alma (Los bateleros del Volga) o los movimientos revolucionarios rusos (El arresto del propagandista). En sus cuadros históricos Repin mostró desde escenas trágicas (Iván el Terrible y su hijo) a la glorificación del amor a la libertad (Los cosacos zapórogos escribiendo una carta al sultán turco). Destacan sus retratos por su profunda caracterización psicológica (Músorgski).

Savrasov fue uno de los fundadores del paisajismo realista ruso. Sus obras combinan una belleza poética con significativos motivos cotidianos, tal y como se puede apreciar en su obra más representativa "Los grajos han vuelto".

Súrikov desplegó en monumentales lienzos las escenas de los momentos más críticos y tensos de la historia rusa en composiciones amplias y polifónicas de colores saturados y brillantes (La mañana de la ejecución de los "streltsi", La boyarda Morozova, La conquista de Siberia de Ermak).

Breve historia de la pintura rusa. Vanguardias.

2008-11-14T11:38:00.008+03:00

El nacimiento de la asociación "Mundo del Arte" va unido al surgimiento de la busqueda de nuevos caminos en el arte figurativo. Los miembros de esta sociedad proclamaron unos nuevos principios artísticos de caracter retrospectivo, moviéndose en concreto hacia la época de la Ilustración. Pertenecieron a esta sociedad artistas como A. N. Benois, C. A. Sómov o L. S. Bakst. En sus exposiciones también se mostraron obras de artistas extranjeros, con preponderancia de los países escandinavos. Los miembros de la asociación cultivaron las esencias de la vida artística de la antigua Rusia, en concreto del s. XVIII. Ellos rescataron nombres de grandes artistas como A. G. Venetsianov, D. G. Levitski o F. S. Rókotov.

En el arte abstracto dejaron su huella notables artistas como V. V. Kandinski, K. S. Malévich, M. S. Chagall o P. N. Filónov. El nacimiento de la vanguardia rusa jugó un papel fundamental en la historia de la pintura mundial. El fundador de esta corriente, Malévich, desarrolló el suprematismo, el arte de las formas puras. Su significativa obra "Cuadrado negro sobre fondo blanco" se expuso por primera vez en 1915 en una exposición en San Petersburgo. Las obras de los vanguardistas encarnaron la valentia de la experimentación, apartándose de los tradicionales esquemas del arte figurativo.

Entre los artistas contemporáneos destacan los nombres de M. Shemiakin, I. Glasúnov, Oleg Tselkov o A. Shilov.

Mijail Alexandróvich Vrúbel (1856-1910)

2008-11-07T12:11:00.012+03:00

Nacido en Omsk en la familia de un militar en activo estudió en el gimnasio clásico de Odessa para luego estudiar en la facultad jurídica de San Petersburgo y luego en la Academia de Artes. En la formación de su estilo ejercieron una fuerte influencia sus profesores favoritos V. Perov y P. Chistiakov, así como el arte del Renacimiento temprano que pudo conocer directamente durante una estancia de algunos meses en Venecia.

El primer gran trabajo de Vrúbel fue en la restauración de la iglesia de San Cirilo en Kiev en donde en gran medida empezaron a aparecer las líneas que caracterizarían su arte: un dolor y sufrimiento sin límites.

En 1889 se traslado a Moscú. En esto momento empieza su amanecer artístico. Trabajó en campos como el teatro, la ilustración de libros y la decoración monumental. Su potencia artística hechizaba al público por la fuerza expresiva de sus imágenes, el colorido excesivo y la fantasía extravagante que encontraba salida en personajes como el fauno de los bosques Pan o la bellísima Princesa Cisne, personificaciones ambos de las fuerzas de la naturaleza. Central en la obra de Vrubel fue la figura del demonio ("Demonio sentado"), la imagen de un espíritu caido de los cielos, atormentado por sus contradicciones, un claro reflejo de la decadente y insatisfactoria percepción de mundo del artista. De sus pinceles salieron algunos retratos que destacaban por su profundidad y expresividad, animados en algunas ocasiones por cierto dramatismo ("Retrato de S. Mamontov").

La participación del artista en la sociedad "Mundo del arte" y en una serie de exposiciones internacionales trajo a Vrubel la fama en toda Europa.

Desde el año 1902 el artista estuvo bajo constante control médico debido a que empezó a mostrar señales de desordenes mentales. La enfermedad progresaba aunque de vez en cuando permitía al artista volver al trabajo. Los últimos años de su vida se vieron ensombrecidos por una nueva enfermedad que casi le hizo perder la vista. Los últimos días de su vida los pasó en un sanatorio para enfermos mentales. De él, el artista K. Petrov-Vodkin dijo: "Vrúbel fue nuestra época".

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Mika Morosov

2008-11-06T15:10:00.005+03:00

V. Serov. “Retrato de Mika Morosov”. 1901

Mika Morosov era el hijo del acaudalado productor y conocido coleccionista de arte Mijail Morosov. El niño estaba dotado de una gran inteligencia. Por aquella época ya hablaba inglés, estudiaba gramática y tenía un caracter vivo y despierto.

Por su aspecto el niño no aparenta su posición social, cosa que era común de niños en los retratos de familias nobles o ricas de la época. El autor, Valentín Serov, se centra más bien en el espíritu del niño. El gesto, levántandose de la niña con ojos y boca abierta hacia algo que el ha llamado la atención muestra el entusiasmo del joven que empieza a abrirse al mundo exterior.

Años más tarde Mika Morosov llegaría a ser un reputado erudito, especialista en la cultura inglesa y Shakespeare.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.